Bit of Everything

Rabbit Hole

2011-01-03T16:24:00.008-02:00

De vez em quando aparece algum filme que foi livremente baseado numa peça de teatro. Um dos exemplares mais atuais é o extraordinário Dúvida, no qual podemos ver um elenco forte inserido numa atmosfera bastante teatral. O mesmo é evidente na obra-prima atemporal chamada Uma Rua Chamada Pecado; mas ainda de forma mais escrachada, temos a impressão de estarmos numa platéia, assistindo tudo ao vivo. David Lindsay-Abaire escreveu uma peça chamada Rabbit Hole e ele próprio desenvolveu o seu formato cinematográfico e entregou para John Cameron Mitchell se empenhar na direção. No final das contas, o filme acompanha os dois exemplos citados e se faz teatral, alegórico e muito real.

Basicamente, o filme conta a história de um casal em completa crise após a trágica morte de seu filho. Pensamos, desde o começo, que roteirista e diretor colocariam a vida do casal como um todo em evidência, mas ao contrário disso, temos um conto individual de sentimentos. Além de tudo, esperamos ver muitas menções à ''toca de coelho'' de Alice no País das Maravilhas; entretanto (e obrigado David e John por isso), é tudo muito original e sutil. Nicole Kidman e Aaron Eckhart interpretam marido e mulher que, de formas diferentes, reconstroem suas vidas. Isto é, durante os 90 minutos de filme, vemos duas pessoas que precisam se auto-conhecer novamente, aprender a superar a perda e, principalmente, se integrar na sociedade. O final? Ahhhh, o final. Simples e condizente.

Tecnicamente, o filme não surpreende muito. A fotografia, assinada por Frank G. deMarco, é simples e comum - o que não entendi, uma vez que tal diretor já assinou de forma belíssima alguns planos visuais na perfeita série Mad Men. Muito se falou da trilha sonora composta por Anton Sanko e preciso dizer que, de fato, ela merece créditos por ser intensa e envolvente. O elenco de apoio é interessante e conta com Dianne Wiest, Sandra Oh e Tammy Blanchard. Mas o destaque vai para Nicole e Aaron: ambos muito dedicados e entregues aos seus personagens. Seria insano de minha parte não colocar Kidman em pauta, uma vez que, pra mim, ela está espetacular e até agora merece todas as menções que vem recebendo nas premiações. Rabbit Hole é, enfim, um filme simples, mas que torna-se comovente, sincero e real. Merece ser visto.

Nota: 8,5

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Década: Elenco

2010-01-13T13:17:00.016-02:00

10. Antes que o Diabo Saiba que Você Está Morto

9. Queime Depois de Ler

8. Casa de Areia e Névoa

7. Babel

6. Spun - Sem Limites

5. Na Natureza Selvagem

4. 21 Gramas

3. Ao Entardecer

2. Dúvida

1. As Horas

MEME - as 13 vozes da minha vida

2010-01-06T13:08:00.017-02:00

Nem bem retornei, e o amigo Fael (editor do blog Tablito), me passou um desafio bastante interessante. Confesso que não parei muito pra pensar, senão jamais fecharia a lista. Todas as vozes, e canções, que a compõe marcaram algum momento da minha vida e, hoje, já não posso viver sem escutá-las. Como sei que a maioria dos blogueiros já foi indicado ao MEME, deixo em aberto; ou seja, quem quiser, pode fazer sua lista. Por ordem aleatória, here i go!

• Aimme Mann, "Wise Up"

• Andrew VanWyngarden, "Kids"

• Elis Regina, "O Bêbado e a Equilibrista"

• David Gahan, "Enjoy the Silence"

• Beyoncé, "Halo"

• Ed Macfarlane, "Paris"

• Nikka Costa, "I Believe in Love"

• Ben Gibbard, "Transatlanticism"

• Alicia Keys, "Empire State of Mind (Part II) Broken Down"

• Caleb Followill, "Use Somebody"

• Cássia Eller, "Luz dos Olhos"

• Eddie Vedder, "Guaranteed"

• Duffy, "Warwick Avenue"

Sempre ao Seu Lado

2010-01-05T14:11:00.003-02:00

Em “Marley & Eu”, observamos a relação de um casal com um cachorro de forma bastante cômica que desemboca num desfecho comovente, triste. Não fui o maior fã desse filme, bem como não sou o maior fã de companheiros caninos. Confesso também que só fui assistir a “Sempre ao Seu Lado”, por insistência de uma amiga. O que ocorreu, sendo direto, foi que ao final da sessão, eu estava desidratado de tanto chorar. Este novo material que coloca um cachorro em pauta consegue ser muito diferente dos demais e, facilmente, emociona.

Após descer do trem, depois de mais uma viagem, Parker (Richard Gere) encontra um filhote de Akita perdido e, rapidamente, humano e canino se identificam. A chegada do cãozinho acaba por deixar a esposa de Parker, Cate (Joan Allen), um pouco assustada; mas logo todos da casa se apaixonam por Hachi (nome dado ao filhote). Entretanto, é evidente que o laço de lealdade, amizade e companheirismo é criado entre o cão e Parker, e o diretor Lasse Hallström (dos excelentes “Chegadas e Partidas” e “Chocolate”) manipula esta situação de forma extremamente clara e sensível. Mas, quando a lealdade entre eles chega no auge, um fato mudará a vida de todos e é aqui que, de fato, começamos a entender o significado de amizade.

O que é interessante enxergar neste filme é que o roteiro (perfeitamente escrito por Stephen P. Lindsey) gira em torno de Hachi e sobre as consequências do fato que citei no parágrafo acima, na sua vida. Lasse dirige cenas de forma clássica e propõe uma fotografia limpa e bonita. Sem exageros digo que a trilha sonora, composta pelo gênio Jan A.P. Kaczmarek, é algo sublime, maravilhoso! Ela nos mergulha nas lágrimas na cena final que é igualmente belíssima. Richard Gere tem aqui uma boa atuação, assim como a sempre incrível Joan Allen. E, assim, chega uma fita que me surpreende com uma linda história real sobre até onde vai a lealdade e sobre qual é o verdadeiro significado da palavra amizade.

Nota: 8,0

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Do Começo ao Fim

2010-01-04T13:48:00.002-02:00

Roteiro. Este é o quesito que mais me chama a atenção ao assistir um filme. E não existe coisa que me deixa mais chateado do que um roteiro sem proposta, que acaba dando vida a um filme ruim. Logo ao ver o trailer da fita “Do Começo ao Fim” (dirigido por Aluízio Abranches), comentei que seria um tema complicado e de difícil aceitação por parte do público. O filme, em suma, não fala apenas de questões que circundam a sexualidade de dois irmãos. Mas sim, mostra-se ambicioso por colocar um romance atípico e delicado no cerne da história.

Francisco (João Gabriel) e Thomás (Rafael Cardoso) são filhos da médica Julieta (a sempre genial Julia Lemmertz), mas não são filhos do mesmo pai. Não demora muito, e Julieta começa a perceber que por trás do amor incondicional entre dois irmãos, existe algo muito maior: eles são apaixonados um pelo outro. Pronto, aqui está a história. A trajetória de paixão entre Francisco e Thomás é relativamente dura, mas ao que parece - e citando agora o interessante “De Repente, Califórnia”, onde dois garotos enfrentam todos por seu amor – eles irão lutar pelo o que sentem.

Não vou, e sendo rabugento, não quero falar sobre o que vemos no filme. Tive problemas sérios no cinema, mas não por serem dois irmãos apaixonados, mas sim por Aluízio Abranches rodar cenas íntimas extremamente desagradáveis entre eles (culpa de um roteiro ruim). Achei de mau gosto, apelativas e, principalmente, pretensiosas. Às vezes, o ousado chega pra ser o magnífico, mas às vezes cai por terra e se faz péssimo. A dupla de protagonistas é despreparada; não nego que são rapazes bonitos, mas não é beleza que faz um ator ser bom. Julia Lemmertz é ótima e é quem salva o filme da completa desgraça. Permitam-se dizer, então, que “Do Começo ao Fim” é um filme completamente descartável que não chega nem perto da grandeza de outros filmes que tratam de homossexualidade como "C.R.A.Z.Y. – Loucos de Amor", por exemplo.

Nota: 3,0

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Só para constar...

2010-01-04T13:47:00.001-02:00

...i'm BACK!!!

Deixe Ela Entrar (só por que é Halloween!)

2009-10-31T14:44:00.003-02:00

Convenhamos: vampiros são seres estranhos que na grande maioria das vezes rendem filmes e histórias que pendem totalmente ao terror. Ano passado, a febre literária adolescente virou filme; falo de Crepúsculo, um filme que apesar de ser vampiresco, é movido por um caso de romance e não de terror. Entretanto, foi a fita sueca Deixe Ela Entrar que mostrou ao mundo uma interessante história de amor em que vampiros estão em pauta. Além de tudo, o filme prima o tempo inteiro pelo inovador e pelo ousado, fazendo-se, sem pretensão, extremamente original. Na realidade, e já dando uma dica sobre o trabalho de direção, tal ousadia não se deve apenas ao roteiro (John Ajvide Lindqvist), mas também ao diretor Tomas Alfredson, que parece não dar a mínima para o público e simplesmente mostra, sem rodeios, o que deve ser mostrado.

Oskar (Kåre Hedebrant) é um garoto solitário e que vive acostumado a sofrer bulling na escola. Sua monótona e triste vida muda bruscamente quando conhece Eli (a magnífica Lina Leandersson), sua vizinha estranha. Pronto. Eli parecia ser o ar fresco que faltava na vida de Oskar mas, paradoxalmente, este frescor vem da forma mais sombria e complicada: ela é um vampiro. E não adianta tentar mudar o fato. Eli é pálida, fria e aparenta ter a mesma idade de Oskar. Sim, eu disse aparenta. Isso por que ao longo da reprodução, ficamos sabendo que na realidade, a garotinha é uma mulher presa num corpo “tamanho PP”. E esta revelação não é feita de forma clara, uma vez que existe um fator incógnita na história, representado pelo homem que mora com Eli. Ao passo que a amizade das crianças aumenta, Oskar começa a apaixonar-se pela garota e tudo é tratado da forma mais frágil e inocente quanto for possível.

Até aqui, parece que estamos diante apenas de mais um romance que se faz diferente por tratar de um casal bastante jovem. E é exatamente aqui que Alfredson lança mal de uma genialidade fora do convencional e ao passo que umedece seu filme com sensibilidade, também faz questão de deixá-lo nebuloso com cenas aterrorizantes. Afinal de contas, a protagonista é um vampiro, se alimenta de sangue e, logicamente, precisa caçar suas presas. Chegamos à outra bela sacada do diretor: fazer de Eli um ser angustiado por ser o que é. Percebemos que ela sente-se mal após mais uma noite de alimentação, mas mesmo assim não temos uma humanização, mas sim passagens que, mergulhadas no ser Eli, são uma espécie de exteriorização de sentimentos opostos. E toda essa gama de emoções pode ser exemplificada pela cena em que ela deita-se, nua, junto de Oskar, e num ato belíssimo aceita ser, simplesmente, a sua namoradinha (no sentido infantil da palavra).

Os artifícios usados na fotografia são semelhantes aos utilizados no fraco 30 Dias de Noite. Temos a utilização da neve, ou seja, de planos visuais brancos e/ou cinzentos para denotar a nebulosidade da história. E o interessante é que toda essa atmosfera alva acaba por colocar os personagens e suas expressões ainda mais em evidência. O garotinho que interpreta Oskar, Kåre Hedebrant, tem um futuro brilhante pela frente, mas não posso ser injusto e deixar de colocar Lina Leandersson (a Eli) num patamar acima. Que atuação extraordinária! Uma criança compor um vampiro como Lina o fez é algo quase que impensável, insano. E ela chegou como quem não quer nada e mostrou toda a força de uma jovem estrela nascente. Deixe Ela Entrar foi preterido pela Suécia no que diz respeito à escolha do país para tentar vaga no Oscar passado. Quem entrou no seu lugar foi o belo, mas problemático e clichê, Maria Larsson's Everlasting Moment. Acredito que aquela pequena obra-prima vampiresca poderia ter sido um pouco mais valorizada, uma vez que mostrou para Hollywood como fazer um romance moderno.

Nota: 9,5

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Década: Ator

2009-10-17T16:25:00.015-03:00

Observação: me desculpem, eu dei uma sumida. E infelizmente vai ser assim pelo menos até Novembro. Espero que vocês entendam! Obrigado!

10. Tom Wilkinson em Entre Quatro Paredes

9. Rolf Lassgard em Depois do Casamento

8. Ben Kingsley em Casa de Areia e Névoa

7. Jack Nicholson em As Confissões de Schmidt

6. Paul Giamatti em Sideways - Entre Umas e Outras

5. Sean Penn em Uma Lição de Amor

4. Russel Crowe em Uma Mente Brilhante

3. Philip Seymour Hoffman em Capote

2. Daniel Day-Lewis em Sangue Negro

1. Bruno Ganz em A Queda! - As Últimas Horas de Hitler

O Segredo de Brokeback Mountain

2009-10-05T17:24:00.003-03:00

Venho por meio desta (que antigo, isso) tentar explicar para vós, leitores, o porquê de este humilde editor que vos fala não achar O Segredo de Brokeback Mountain uma obra-prima. O que acontece é o seguinte: não é de hoje que eu posto listas aqui no blog e sempre acabo deixando este filme de Ang Lee de fora, para a tristeza e/ou raiva de alguns. O filme foi tido como um dos mais belos, ousados e sensíveis materiais desta nossa década e acabou fazendo a cabeça dos críticos. Perdeu o Oscar de Melhor Filme para o irregular e ruim (que me perdoe a Kamila, hahahahaha) Crash – No Limite, mas saiu com a estatueta de Melhor Direção. Interessante vencer esta categoria, pois a temática é tida como um tabu e é tratada como sendo exatamente isso no filme. Espero não ser deletado de alguns blogs parceiros após este texto...

Livremente baseado na estória de Annie Proulx (adaptada por Larry McMurtry e Diana Ossana), a fita mostra a vida de Ennis Del Mar (Heath Ledger) e Jack Twist (Jake Gyllenhaal): dois jovens cowboys que se conhecem no ano de 1963 após passarem alguns dias cuidando das ovelhas de um senhor na Montanha Brokeback. O isolamento foi o ambiente propício para que algo de inesperado acontecesse com esses dois homenzarrões: de forma súbita – e levem este “súbito” num sentido agressivo – eles sentem-se atraídos e se entregam ao desejo. Ennis e Jack se apaixonam? O roteiro o tempo todo ilude o espectador e responde que sim. Após retornarem às suas vidas normais, cada qual segue o seu caminho. Ennis casa-se com Alma (Michelle Williams) e Jack com Lureen (Anne Hathaway) e cada um constrói suas famílias de modo aparentemente vazio. Ang Lee – que volta ao “nicho da sensibilidade” onde esteve com o irretocável Razão e Sensibilidade – introduz à vida em família dos dois cowboys uma pitada de frustração, já que ao que parece, Jack e Ennis seriam felizes juntos e não com suas respectivas esposas. Quando tudo parece se encaixar (após o reencontro dos dois), algo interessante e triste ocorre para finalizar a fita de forma impactante.

Não tenho problemas com esta resolução dada a história no desfecho, e até acho-a interessante. O Segredo de Brokeback Mountain cutuca onça com vara curta e escracha a relação entre dois homens em plenos anos 60. Uma época em que homens eram criados para serem machos, brutamontes. Só que “pera lá”! Garanto que tudo seria muito mais válido e digno se direção e roteiro convergissem para o sensível, uma vez que a história em si é pesada. Não, eu não consigo absorver nem 1% de sensibilidade e delicadeza neste filme por que não há. Vou citar um SPOILER e recomendo que os que não viram o filme, pulem esta parte. O primeiro contato íntimo entre Jack e Ennis, lembram? Ali, no frio, após se embebedarem, na barraca... Pois bem. Aquilo, pra mim, foi algo absurdamente carnal e nada romântico e que em hipótese alguma pode ser o estopim para o começo de uma história de amor (FIM DO SPOILER). Na realidade, sinto que tudo o que se passa na película não pende ao amor, mas sim à paixão. Amor é você ir contra todos em busca da felicidade mútua, independente da época em que está. Amor não é ferir sentimentos alheios vivendo de mentiras e, pior, de traições. Onde diabos eu quero chegar? Simples: Brokeback Mountain, filme aclamado de Ang Lee, não é um romance. É um drama, frio, sobre dois homens que sentem atração um pelo outro e que tentam enfrentar isso numa sociedade machista antiga. Frio, gelado.

Uau, que massacre. Bom, mas nem tudo é errado no filme. A parte técnica e o trabalho das atrizes coadjuvantes chegam como sendo o ar fresco de que eu necessitava quando o assisti. Como estamos quase que o tempo todo em campo aberto, a iluminação natural contribui para um belo trabalho de fotografia. Além disso, Rodrigo Prieto (responsável também pela impressionante fotografia de 21 Gramas) utiliza as paisagens de relevo e planície para melhorar ainda mais seu genuíno trabalho. Apesar de não se encaixar bem no filme por ser muito melódica, gosto da composição sonora de Gustavo Santaolalla, mesmo utilizando, como sempre, os instrumentos de corda como base em suas trilhas. Aqui, vamos à segunda parte do meu pequeno massacre: comentário sobre o elenco. Heath Ledger, que Deus o tenha, vai bem, mas nada de estarrecedor e que merecesse alguma indicação em algum prêmio. É uma atuação que oscila entre o normal e o contido e me irritava o jeito que Ennis falava. Com Jake Gyllenhaal o caso é mais grave. Desde que vi o filme, disse e repito que trocaria fácil ele por outro ator (Ryan Gosling, por que não?). Ele não tem expressão e quase desaparece quando está em cena com sua esposa na trama, interpretada por Anne Hathaway. Ela e Michelle Williams são magníficas em papéis secundários e esbanjam talento, emoção e ousadia. Não vou nem finalizar meu texto com alguma conclusão coerente e oficial. Paro por aqui e só peço que se alguém quiser me matar depois disso, pelo menos me avisem antes de o fazê-lo!

Nota: 6,0

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Grey Gardens

2009-10-02T22:56:00.005-03:00

A televisão. Um meio que atualmente vem apresentando os mais interessantes filmes feitos de forma exclusiva. Além dos chamados telefilmes, as séries e principalmente as minisséries vêm, também, evoluindo de maneira incrível. Mas quero pedir permissão e me ater aos filmes feitos para a TV, já que começo a perceber que todo ano aparece um mais lindo que outro e me pergunto: será que o Cinema no sentido físico está perdendo espaço? Deixaremos essa discussão para depois. Ano passado a HBO lançou algo que, pra mim, é uma pequena obra-prima: Recontagem. Este ano, mais uma vez, o canal lançou mão de uma obra de arte inquestionável e que durante toda a sua reprodução é um show visual, sonoro e textual: Grey Gardens.

Com uma montagem impecável, o telefilme conta a história da família de Edith (Jessica Lange), mas já nos primeiros momentos sabemos que o enfoque será sobre ela e sua filha, Edie (Drew Barrymore). É uma família que vive de aparências e durante todo o filme vemos a queda das excêntricas mãe e filha que sonharam, algum dia, em serem estrelas. Após a completa dissolução do ambiente familiar (Edith separa-se de seu marido, interpretado pelo vencedor do Emmy Ken Howard), Edith e Edie afundam-se num mar de desesperança dentro da mansão de praia da família, Grey Gardens. A volta do ar fresco de que as duas necessitavam, é contemplada com a chegada de dois cineastas que resolvem fazer um documentário sobre a vida delas. E este é um dos motivos pelo qual adjetivei a montagem como sendo impecável: além de a história não ser linear cronologicamente, por oras temos um filme dentro de outro, justamente quando seguimos as filmagens de tal material.

É importante observar três aspectos neste telefilme: a forma segundo a qual as personagens são expostas, o trabalho de elenco e a parte técnica. O diretor Michael Sucsy escolhe por mostrar cada uma das personagens principais de forma anatômica e fisiológica, ou seja, detalhando tanto suas aparências físicas quanto seus sentimentos mais profundos e ocultos. E para que essa idéia desse certo, um elenco afiado era necessário e ouso dizer que isso sobra no telefilme. Drew Barrymore e Jessica Lange não estão menos que extraordinárias, divinas. Mesmo sob uma pesada maquiagem durante alguns momentos, exteriorizam todo e qualquer desespero e pingo de esperança que ainda lhes restam. Duas das atuações mais impressionantes que pude ver na televisão desde Angels in America (e as brutas interpretações de Meryl Streep e Emma Thompson). Da metade para o fim da fita, entra em cena uma tal de Jeanne Tripplehorn – que já atua de forma impressionante na melhor série dramática atual, Big Love – interpretando Jacqueline Kennedy e, em uma cena, muda todo o curso da história e constrói uma coadjuvante muito inspirada.

Tecnicamente este telefilme de Sucsy é um deslumbre. Uma fotografia que tende ao perfeito, figurinos de acabamentos finos e uma maquiagem realista. Dois quesitos, porém, merecem destaque: trilha sonora e direção de arte. Aquela foi composta lindamente pela minha querida Rachel Portman e é uma surpresa a cada acorde. Fiquei em dúvida se falava sobre a cenografia aqui ou no parágrafo dedicado ao elenco. Afirmação estranha, não? Mas é a realidade. O design dado à casa de praia é tão complexo e interessante que sentimos que estamos diante de outro personagem. A direção de arte segue os atos do filme e declina da mesma forma que mãe e filha. Temos aqui um filme que não mostra a ascensão e queda de duas pessoas. Ele parte do princípio de que já estão num patamar bastante alto na sociedade e que tudo que um dia sobe, pode cair feio. E esta queda é mostrada a partir de uma mistura e posterior explosão de sentimentos da maneira mais genuína possível.

Nota: 9,5

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Década: Atriz

2009-09-30T14:38:00.014-03:00

Após um tempo em rehab total do Bit e dos blogs parceiros (peço mil desculpas por isso!), volto com mais um top 10 sobre esta nossa década. Talvez o mais tranquilo de se fazer foi este das atrizes em papéis principais. Peço que as minhas queridas Naomi Watts (21 Gramas), Nicole Kidman (A Pele e Moulin Rouge! - Amor em Vermelho) e Isabelle Hupert (A Professora de Piano) me perdoem por não estarem na lista, mas faltou um espacinho...

10. Maggie Gyllenhaal em Sherrybaby

9. Jennifer Connelly em Casa de Areia e Névoa

8. Charlize Theron em Monster: Desejo Assassino

7. Annette Bening em Adorável Júlia

6. Helen Mirren em A Rainha

5. Imelda Staunton em O Segredo de Vera Drake

4. Kate Winslet em Foi Apenas Um Sonho

3. Julianne Moore em Longe do Paraíso

2. Felicity Huffman em Transamérica

1. Marion Cotillard em Piaf - Um Hino ao Amor

Querô

2009-09-22T21:03:00.004-03:00

Ao passo que o Brasil apresenta filmes interessantes nos quais a temática não é a violência, também produz mais do mesmo. Óbvio que lá em 2004 surgiu um ar fresco em tal gênero, Cidade de Deus, que ousou ao mostrar uma direção impecável de Fernando Meirelles. Mas ultimamente tenho deixado o ufanismo de lado e sendo justo ao avaliar certos filmes nacionais e Querô é a prova de que estou realmente pegando pesado em tal avaliação. Levando quatro prêmios importantes no Festival de Brasília – não sei como – a fita oscila entre o ruim e o péssimo e tal diferença de conceito é introduzida a ela em questão de frações de segundos. Amenizando um pouco minha decepção, digo que o diretor Carlos Cortez até tentou fazer algo inovador, mas a história é a mesma de sempre.

Querô (Maxwell Nascimento) é um garoto abandonado na vida: seu pai é desconhecido e sua mãe foi expulsa do prostíbulo onde trabalhava logo após dar a luz a ele. Maria Luisa Mendonça interpreta esta mãe que logo depois disso morre intoxicada com querosene e Querô acaba sendo criado pela dona do bordel. Entretanto, o menino começa a nutrir um ódio descomunal em sua alma devido aos maus tratos que recebia e logo se torna um projeto de marginal, vivendo de pequenos delitos. Não demora e ele vai para a FEBEN, lugar que será cenário de passagens inesquecíveis e cruéis na vida de Querô. Quando sua raiva chega ao auge, acaba por protagonizar uma rebelião bastante violenta e consegue fugir. Mas nada mais será fácil na vida deste menor-abandonado.

Baseado no livro de Plínio Marcos, o roteiro do próprio Carlos Cortez (pasmem, com colaboração do ótimo Bráulio Mantovani e Luiz Bolognesi) tenta fazer com que enxerguemos Querô como sendo um objeto, ou seja, uma bomba prestes a explodir em meio à violência. A idéia infundada de fazer do garoto, por vezes, um herói, é ridícula e o desfecho um grito desesperado do diretor, já que induz o espectador ao choque e ao choro. E tudo é piorado com uma fotografia horrorosa a qual me incomodou o filme todo por não ser menos que feia.

Ainda nos contras, temos o elenco. Há quem diga que Maxwell Nascimento desempenha um belo papel, mas eu discordo. Mas isso não é culpa dele, uma vez que o suporte que o diretor dá ao elenco é fraquíssimo. Vide as péssimas atuações de Milhem Cortaz e Aílton Graça. O que é pró ao filme?! O trabalho de edição e montagem é bastante interessante, pois mostra imagens distorcidas do passado de Querô durante duras cenas do presente. Mas devo implorar para alguns diretores: parem de tentar chocar o público com filmes que abordem a violência! O que me deixa um pouco aliviado é que parece que nosso candidato a uma vaga no próximo Oscar (Salve Geral) trata de tal tema de maneira mais válida e digna.

Nota: 3,5

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Emmy 2009: Comedy

2009-09-18T21:19:00.009-03:00

E para fechar as listas dos meus favoritos, Roteiro, Direção e Série (Comédia):

Melhor Roteiro em Série Cômica

1. Matt Hubbard, “Reunion” – 30 Rock

Minha afinidade com 30 Rock é quase nula. Mas é o segundo ano que a série me agrada com o melhor roteiro cômico do ano. Na última edição do Emmy com o genial "Rosemary's Baby'' e este ano com o hilário e interessante "Reunion". Sinto falta de algum texto de The Big Bang Theory e Entourage na categoria e acho um exagero a indicação de "Kidney Now!".

2. James Bobin, Jemaine Clement e Bret McKenzie, “Prime Minister” - Flight of the Conchords
3. Ron Weiner, “Mamma Mia” – 30 Rock
4. Robert Carlock, “Apollo, Apollo” – 30 Rock
5. Jack Burditt e Robert Carlock, “Kidney Now!” – 30 Rock

Melhor Direção em Série Cômica

1. Julian Farino, “Tree Trippers” – Entourage

Como sempre, os trabalhos de direção de Entourage são impecáveis. Neste "Tree Trippers" temos de tudo um pouco, mas o mais destacável é a condução do elenco no episódio. Na realidade, acho que "Generalissimo" (30 Rock) deve vencer, com sobras, mas a lista se trata dos meus favoritos, então...

2. Beth McCarthy, “Reunion” – 30 Rock
3. James Bobin, “The Tough Brets” – Flight of the Conchords
4. Millicent Shelton, “Apollo, Apollo” – 30 Rock
5. Todd Holand, “Generalissimo” – 30 Rock
6. Jeff Blitz, “Stress Relief” – The Office

Melhor Série Cômica

1. Entourage

Que surpresa, não? Todos que me conhecem sabem que eu acho Entourage, junto com The Big Bang Theory e United States of Tara, a melhor série cômica do momento. 30 Rock não é a minha praia e esta temporada de The Office não me agradou at all. Pus em dia Flight of the Conchords e achei incrível! Por muito pouco não arrebata a primeira posição. Mas quem venceria, caso estivesse indicado, seria The Big Bang Theory. E não esqueçamos da horrorosa esnobada que deram em United States of Tara.

2. Flight of the Conchords
3. Weeds
4. 30 Rock
5. Family Guy
6. How I Meet Your Mother
7. The Office

Emmy 2009: Drama

2009-09-15T20:28:00.008-03:00

Esta é a penúltima postagem sobre os meus favoritos ao Emmy 2009. Aqui, falarei sobre as três categorias importantes acerca das séries dramáticas: Roteiro, Direção e Série. Sem mais, vamos às categorias (como sempre, em ordem decrescente de preferência):

Melhor Roteiro em Série Drama

1. Kater Gordon e Matthew Weiner, “Meditations in a Emergency” – Mad Men

Tenho uma pequena história para contar. Era uma vez um cara que ODIOU a primeira temporada de Mad Men. Mas não contente em ser o único com tal sentimento sobre a série, não a largou e hoje tem a plena certeza de que esta série é uma das melhores da atualidade (claro que estou falando de mim!). Falando especificamente dos materiais deste ano de Mad Men, o roteiro de "Meditations in a Emergency" é extraordinário. Bastante forte no sentido literal, este foi o melhor roteiro do ano. Mas permitam-me reclamar da exclusão de "Now or Never", capítulo que fechou de forma iompressionante a quinta temporada de Grey's Anatomy. E outro detalhe: cadê qualquer episódio de Big Love nesta categoria?

2. Matthew Weiner, “Jet Set” – Mad Men
3. Robin Veith e Matthew Weiner, “A Night to Remember” – Mad Men
4. André Jacquemetton, Maria Jacquemetton e Matthew Weiner, “Six Month Leave” – Mad Men
5. Carlton Cuse e Damon Lindelof, “The Incident” – Lost

Melhor Direção em Série Drama

1. Michael Rymer, “Daybreak (Parte 2)” – Battlestar Galactica

Pense numa série subestimada e multiplique por 100. O resultado é Battlestar Galactica: uma das séries mais legais dos últimos anos. E o mais interessante é que a série sempre apresenta trabalho formidáveis de direção e a segunda parte de "Daybreak" é perfeitinha e é óbvio que chorei, já que este episódio fechou a série de forma linda. Vale lembrar que "Trust Me" (Damages) ficou por muito pouco na segunda posição.

2. Todd A. Kessler, “Trust Me” – Damages
3. Phil Abraham, “The Jet Set” – Mad Men
4. Rod Holcomb, “And in The End” – ER
5. Bill D’Elia, “Mad in China/Last Call” – Boston Legal

Melhor Série Drama

1. Big Love

Alguns leitores sabem da minha paixão por Big Love. Pra mim, uma das coisas mais interessantes vistas nos últimos anos na televisão. Sem a menor dúvida, esta ousada série era o ar fresco de que todos precisávamos. Mostrando a história incrível de uma família polígama, Big Love se faz intenso - mas por oras engraçado - e bastante cauteloso. Com roteiros sempre inspirados, a série conta com um elenco absurdamente genial: Bill Paxton, Jeanne Tripplehorn, Chloë Sevigny e Ginnifer Goodwin. Entretanto, também gostaria de reclamar aqui. Grey's Anatomy fez uma quarta horrorosa, mas se reergueu de forma magistral nesta quinta. Por esse motivo, acho que a série merecia ser incluída na lista.

2. Damages
3. Mad Men
4. Breaking Bad
5. House
6. Lost

Cine/on Stage: My Fair Lady

2009-09-12T14:11:00.006-03:00

Um belo dia no antigo mas também válido Bit of Everything, dividi com vocês uma experiência que tive no teatro. Pra quem não sabe, fui ator durante alguns anos do meu passado, mas hoje abandonei parcialmente tal atividade. Deste modo, fica meio evidente que teatro corre nas minhas veias e, de fato, sou vidrado em tudo o que rola on stage. Pra ser mais exato, os musicais são a minha grande paixão e tenho orgulho em dizer que o Brasil tem apresentado versões interessantes de clássicos da Broadway. Hoje eu abro este novo espaço no blog para debater sobre alguns musicais que viraram filme - ou vice-versa - e começo com os divinos materiais de Minha Bela Dama, ou num tom mais glamuroso, My Fair Lady.

O filme, escrito por George Bernard Shaw e Alan Jay Lerner e dirigido pelo sensacional George Cukor, conta a história de uma mendiga, Elisa (Audrey Hepburn), que vende flores nas escuras ruas de Londres em busca de alguns torcados. Numa noite como outra qualquer, Elisa conhece da forma mais hilária possível Henry (Rex Harrison), um brilhante professor de fonética que tem a capacidade única de tirar conclusões sobre as pessoas simplesmente ao ouvir seus sotaques. Chocado com o péssima manipulação verbal da mendiga, ele aposta com um amigo, Hugh (Wilfrid Hyde-White), que em seis meses fará de Elisa uma verdadeira dama. A mendiga, no fundo, sente que seria ótimo se pudesse se equiparar com as beldades da alta sociedade londrina e aceita ser "transformada" por Henry. Aqui começa uma saga cheia de detalhes que vão dos mais cômicos aos mais emocionantes em questão de segundos. Personagens que entram, personagens que saem; o filme é uma constante mudança de cenário e proposta. Uma das cenas mais incríveis da fita é justamente quando conhecemos Freddie (Jeremy Brat), que de pronto se apaixona por Elisa justo num momento em que ela "dá uma bola fora". Mas o destino da moça vai numa direção diferente do que ela esperava e tudo é ratificado num belo desfecho. A dupla de protagonistas, Audrey e Rex, é impressionante e a química entre eles a coisa mais linda de se ver. Ela compõe uma das mais brilhantes interpretações femininas que vi num musical. E tecnicamente, My Fair Lady é um luxo total. Apresenta de forma chocante os mais geniais e estarrecedores figurinos já vistos num filme, ao menos pra mim. Trocando em miúdos, o filme é um dos meus musicais preferidos e o mesmo digo do on stage...

...mas antes de falar dele, um recado: infelizmente não assisti à versão estrangeira, somente a nacional; mas vale comentar mesmo assim. O Brasil, pelas mãos do grande diretor Jorge Takla, montou o musical da forma mais requintada possível. De longe é uma das produções nacionais mais bem sucedidas e interessantes. Toda a cenografia é a réplica do filme e todo o figurino também. Takla tem uma capacidade incomum de dirigir elencos numerosos e não deixar a bagunça reinar no palco. Transpôs o filme para os palcos e adaptou "o Broadway" de maneira bastante precisa. O mais interessante desta peça, sem dúvida, é o elenco. Elisa é interpretada pela até então desconhecida dos palcos nacionais Amanda Acosta que faz um trabalho magistral, incrível. Desbancou as grandes e cobiçadas Sara Sarres e Kiara Sasso e deu um show. O mesmo digo de Daniel Boaventura (figurinha carimbada nas produções de Takla) que faz um Henry melhor que o de Rex, a meu ver. É bom dizer que todo o elenco tem um contato único com o público, ou seja, passam uma energia incrível aos espectadores. A montagem brasileira de um clássico do cinema mundial, não perde em nada para as montagens americanas e inglesas. Aguardem os próximos textos deste novo espaço. Falremos de Rent!, West Side Story, Chicago, Mamma Mia!, A Bela e a Fera, Haispray, Wicked (que está ganhando uma versão cinematográfica), Avenue Q (apesar de ser intransponível ao cinema, vale ser comentado como musical de teatro).

Nota para o filme: 9,5

Nota para o on stage: 9,0

Década: Roteiro Adaptado

2009-09-11T14:26:00.014-03:00

Peço que antes que vejam a lista, arranquem dos bolsos quaisquer materiais perfurocortantes que possam me fazer algum tipo de mal. Brincadeiras doentias à parte, digo que esta lista é a que mais será massacrada por alguns dos leitores. Mas felizmente nossas mentes são munidas de personalidade própria, o que torna nosso mundo tão rico em opiniões, não é mesmo? Vamos à ela, então:

10. Robert Nelson Jacobs, Chegadas e Partidas

9. Hayao Miyazaki, O Castelo Animado

8. Alexander Payne e Jim Taylor, Sideways - Entre Umas e Outras

7. Frances Walsh, Philippa Boyens e Peter Jackson, O Senhor dos Anéis: A Sociedade do Anel

6. David Magee, Em Busca da Terra do Nunca

5. Bill Condon, Chicago

4. Patrick Marber, Closer - Perto Demais

3. Eric Roth, O Curioso Caso de Benjamin Button

2. Paul Thomas Anderson, Sangue Negro

1. David Hare, As Horas

Up - Altas Aventuras

2009-09-09T16:52:00.004-03:00

É inegável que a Pixar é hoje uma das mais fascinantes produtoras do gênero animação. Já foi responsável pela concepção de duas obras-primas do nosso tempo, Toy Story e Procurando Nemo, mas devo frisar que, indo contra a maioria, tenho problemas com a sua última produção, Wall-e. Após conferir o trailer da mais nova animação, Up, fiquei apreensivo pois de pronto percebi que ele era veículo para alguma grande mensagem. Wall-e também apelou à mensagem, mas acredito que seja um tanto quanto pretensiosa a sua execução. Pois Up – Altas Aventuras, lança mão de momentos extremamente reflexivos que em sua maioria se fazem bastante singelos e humildes.

Pete Docter e Bob Peterson (que já trabalharam juntos no sensacional Monstros S.A), dirigem a fita e apresentam um primeiro ato lindíssimo que já é uma idéia do que teremos nas cenas a seguir. Digo que é somente uma idéia, pois infelizmente o filme tem alguns problemas de balanceamentos de ritmo e isto acaba por deixar o espectador um pouco inquieto. Up – Altas Aventuras escracha a vida de Carl, um velhote dos mais rabugentos que desde sempre teve o sonho de explorar o mundo, mas atualmente, aos 78 anos, já nem consegue mais enxergar tal realização, tamanha a sua distância. Entretanto, numa reviravolta muito bem bolada pelos roteiristas, entra em cena o jovenzinho Russell, que diz ser um explorador naturalista. Os personagens nos são apresentados de forma perfeita e já conseguimos entender que um é o completo oposto do outro. Cabe ao carismático e vivaz Russell ensinar o resmungão e chato Carl a reaprender a viver, e para que isso ocorra, eles entram numa jornada incomum além mar e terra que nos proporcionará cenas emocionantes (nem comento sobre chorar ou não, por que vocês já sabem o que vou dizer).

Concordo que este meu segundo parágrafo os prepara para uma nota exorbitantemente alta no final. Mas vamos com calma, muita calma. A premissa é, de fato, impecável mas a condução desta premissa enquanto roteiro é um pouquinho falha. Na realidade, acredito que a introdução seja algo único, o desenvolvimento tem mais altos do que baixos, mas o desfecho não é tão memorável quanto se espera. O que também me preocupa é a tentativa de desvirtuar Carl e fazê-lo uma espécie de vilão (contudo, preciso dar uma revisada nisto). O mais interessante acerca de Up é, com certeza, a mensagem de vida contida nele. E percebam que a película fala de vida no sentido mais amplo possível da palavra: não só mostra um começo, mas sim um recomeço; e vai muito além ao tocar em pontos fortes como sonhos e a possibilidade de sempre realizá-los.

Sou um dos que sempre defendeu a unhas e dentes o trabalho técnico de Procurando Nemo como sendo um dos mais impressionantes já vistos numa animação. Depois de ver Up, continuo achando o mesmo, mas consigo enxergar um trabalho de “laboratório” digno de muita nota. A equipe do filme constrói cenários coloridos que chegam a brilhar em nossos olhos. Por muitas vezes pensei estar numa bela e elegante exposição de quadros em algum bom museu francês. Ainda na parte visual, a riqueza de detalhes é bastante evidente, mas esperava algo mais impressionante, de novo, que Procurando Nemo. Outro grande trunfo do filme é a excelente composição musical de Michael Giacchino: sempre tentando fazer menção à aventura, à freneticidade e à tudo de mais alegre que existe. E, em resumo, o novo filhote da Pixar é isso. Uma pequena ode aos que realizam seus sonhos e, desta forma, aproveitam a vida.

Nota: 8,5

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Cor de rosa e autêntica...

2009-09-07T20:33:00.006-03:00

Não tem como: pra mim, a atuação de Felicity Huffman em Transamérica é uma coisa de outro mundo. Pensem que ela interpreta um homem que quer ser mulher, mas ela é uma atriz, e não um ator - o que torna tudo mais difícil. O filme, escrito e dirigido por Duncan Tucker, por si só é incrível. Quando Bree (Felicity) está prestes a realizar a tão esperada cirurgia de mudança de sexo, "ela" descobre que no passado engravidou uma mulher e, assim, tem um filho, Toby (Kevin Zegers). Este, diferente do que Bree esperava, é um garoto problemático que usa drogas, se prostitui e sonha em ser ator pornô. Tocada pela histórico pervertido de Toby, Bree sente que precisa ajudá-lo e, desta forma, eles embarcam numa viagem cômica e diferente pelas estradas mais diferentes dos Estados Unidos. O mais interessante aqui é a evolução que percebemos no que diz respeito à amizade que se forma entre os dois. Tucker, diferente do que alguns esperaram, despeja uma bela dose de sensibilidade neste subestimado filme. Ao mesmo tempo em que rimos com as caras e bocas de Bree, nos emocionamos; afinal, ela é um ser humano munida de um bom coração. Um filme simples, mas que no final se torna gigantesco. O desabafo final de Bree, já nos momentos finais, é uma das mais belas cenas que vi nesta década. Chega a ser uma vergonha Felicity perder o Oscar para a insosa Reese Witherspoon no mais insoso ainda, Walk the Line.

Nota: 9,0

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***MINHA VIDA ANDA UM POUCO CORRIDA POR CONTA DA FACULDADE E POR ISSO ANDO ATUALIZANDO O BLOG COM MENOR FREQUÊNCIA. TAMBÉM PEÇO DESCULPAS AOS BLOGS PARCEIROS POR NÃO ESTAR COMENTADO DIARIAMENTE COMO FAZIA. MAS JÁ JÁ TUDO VOLTA AO NORMAL!

Confissões de Uma Garota de Programa

2009-09-05T18:51:00.004-03:00

Se formos analisar alguns filmes da paradoxal filmografia de Steven Soderbergh, sempre encontraremos algo em comum entre seus filmes: a profundidade com a qual ele lida com o desenvolvimento de seus personagens. Na maioria das vezes – e isso não inclui filmes fracos como Sexo, Mentiras e Videotape e ruins como Full Frontal – Steven delineia cada personagem como se fossem únicos no enredo e, óbvio, isto é de se louvar. Outra marca registrada deste diretor é a quase que constante estilização visual que utiliza não só no modo de filmar, mas sim na disposição e inserção de cores nas fitas. Esta combinação deu certo no genial Traffic e no interessante Bubble. Mas quem se aventurar no seu novo filme, Confissões de Uma Garota de Programa, irá perceber que Soderbergh, de maneira triste e quase desastrosa, tropeça nas suas próprias facetas.

O filme, escrito por Brian Koppelman e David Levien, tem míseros 78 minutos e mostra cinco dias na vida de Chelsea (a atriz pornô Sasha Grey), uma garota de programa de luxo, que atende clientes da alta sociedade de Manhattan. Mas logo percebemos que o título original em inglês, The Girlfriend Experience, é muito mais válido, já que Sasha é uma espécie de namorada de aluguel, pois não só oferece sexo aos seus clientes, mas sim companheirismo e conversa. Com isso, ela sente que o mundo sempre dá voltas ao seu favor e tudo é ratificado pela presença de seu namorado que, de forma bastante intrínseca, não tem problemas com a vida profissional da moça. Mas é claro que este é um universo dito bittersweet por muitos, uma vez que ao mesmo tempo em que é ótimo por ser bem remunerado, é vulgar e, por vezes, perigoso. O que é válido perceber é que quando você está nesse tipo de nicho, conhece muitas pessoas e, por esse motivo, nunca sabe o que encontrará pela frente.

Num primeiro momento, a premissa pode trazer a sensação de ser um filme extremamente bem feito. Mas pensem que eu sequer citei os demais personagens do filme e isso é fácil de explicar: tudo é manipulado da forma mais fria e distante do espectador possível. Começamos sem conhecer Chelsea e terminamos exatamente da mesma maneira. Sei que às vezes é interessante sermos submetidos ao mistério acerca do personagem, mas como se trata de uma película quase que biográfica, este recurso “textual” é completamente inválido e utópico. Também se espera algo bastante suave e original durante os programas da moça, já que é uma espécie de consulta psicológica íntima; contudo, elas são nota zero em termos de emoção.

Steven, desta forma, falha o tempo todo na transposição do roteiro. E esta falha tange tudo, até a disposição de cenas. O único aspecto positivo é a sempre genial estilização visual que a câmera deste diretor propõe: juntamente com um belo trabalho fotográfico, a composição das cores e ângulos é quase caótica – claro, num ótimo sentido. Mas de que adianta algo visualmente deslumbrante se o essencial – o enredo – é parcialmente inexistente? E outra: o elenco é inerte. Sasha Grey não incomoda, mas é um pólipo em cena, o tempo todo com a mesma expressão facial. Exceto por uma cena, talvez a mais interessante do filme, em que mostra certa profundidade emocional. A idéia de querer mostrar a vida de uma garota de programa de luxo é batida, mas dependendo do modo como é exposta, poderia render algo válido. Os roteiristas erram, Steven erra (mesmo com belo trabalho técnico) e o elenco nem a capacidade de errar teve.

Nota: 4,5

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Emmy 2009: Actors in Comedy

2009-09-01T20:04:00.008-03:00

Para não deixar muito cansativo, vou postar todos os meus favoritos nas categorias dedicadas às atuações em Comédia no Emmy 2009. As categorias mostradas agora serão, nesta ordem: Lead Actress, Supporting Actress, Lead Actor e Supporting Actor. Lembrando que são em ordem decrescente de favoritismo.

Lead Actress

1. Toni Collette, “Pilot” (United States of Tara)

2. Julia Louis-Dreyfus, “Everybody Says I Love You Except Richie” (The New Adventures of Old Christine)
3. Tina Fey, “Reunion” (30 Rock)
4. Mary-Louise Parker, “Lady’s a Charm” (Weeds)
5. Sarah Silverman, “There’s no Place Like Homeless” (The Sarah Silverman Program)
6. Christina Applegate, “The Pill” (Samatha Who?)

Supporting Actress

1. Amy Poehler, “Josh Brolin” (Saturday Night Live)

2. Elizabeth Perkins, “No Man is Pudding” (Weeds)
3. Kristin Wiig, “Neil Patrick Harris” (Saturday Night Live)
4. Jane Krakowski, “The Ones” (30 Rock)
5. Vanessa Williams, “The Fall Issue” (Ugly Betty)6. Kristin Chenoweth, “Bad Habits” (Pushing Daisies)

Lead Actor

1. Jim Parsons, “The Bath Item Gift Hypothesis” (The Big Bang Theory)

2. Jemaine Clement, “Unnatural Love” (Flight of the Conchords)
3. Alec Baldwin, “Generalissimo” (30 Rock)
4. Tony Shalhoub, “Mr. Monk and the Miracle” (Monk)
5. Charlie Sheen, “Is It the 'Ocu' or the 'Pado'?” (Two and a Half Men)
6. Steve Carell, “Broke” (The Office)

Supporting Actor

1. Neil Patrick Harris, “Benefits” (How I Meet Your Mother)

2. Jon Cryer, “Sir Lancelot’s Litterbox” (Two and a Half Men)
3. Kevin Dillon, “Tree Trippers” (Entourage)
4. Tracy Morgan, “The Funcooker” (30 Rock)
5. Jake McBrayer, “The Bubble” (30 Rock)
6. Rainn Wilson, “Heavy Competition” (The Oficce)

Arrasta-me Para o Inferno

2009-08-30T12:30:00.000-03:00

"Christine Brown has a good job,

a great boyfried, and a bright future.

But in three days,

she's going to hell."

É exatamente este pequeno texto que encontramos no pôster do novo filme trash de Sam Raimi, Arrasta-me Para o Inferno. Christine (Alison Lohman, do incrível Delírios), de fato, tem uma vida extremamente válida e digna. Tudo conseguido com bastante esforço. Entretanto, pode uma ação ser o estopim para que nossa vida vire de cabeça para baixo, à ponto de vivermos um inferno terrestre? Este filme prova que sim. Mostra que qualquer ação que tomamos no nosso dia-a-dia tem consequências positivas ou negativas que ministrarão nosso futuro. Sam Raimi já tentou dosar o ar trash de seus filmes, mas sempre acaba batendo na mesma tecla e deixando os espectadores apavorados com o que vêem. Já fez isso com seu até então melhor filme A Morte do Demônio, onde morte e zumbis eram a pauta. Vale lembrar que Sam tem o dom de fazer-nos rir e se assustar, tudo ao mesmo tempo. Mas comigo aconteceu algo diferente ao ver Drag Me To Hell. Fiquei angustiado e se ri em alguma parte, foi de puro nervoso e medo.

No filme conhecemos Christine que, como já disse, tem uma vida aparentemente perfeita. Num dia como outro qualquer a senhora Ganush (Lorna Raver) vai até o banco onde a moça trabalha como corretora de empréstimos e pede um acréscimo de crédito para poder pagar sua casa, mas Christine nega o pedido da misteriosa senil. Ganush, numa sequência impressionante, faz de tudo para deixá-la desesperada num mar de agonia e desespero e, de quebra, joga uma maldição na pobre moçoila. A partir daí é que o filme realmente começa. Aparições do espírito maligno, redemoinhos em que folhas se espiralizam no ar, panelas que se chocam, a casa que faz barulhos horríveis: Christine agora pediu nunca ter nascido. Para tentar resolver tudo, ela recorre a um sortista que, de pronto, confirma que o espírito maléfico Lâmia está na vida da moça; e pior: durante os três primeiros dias, ele apenas aterrorizará Christine e no terceiro a levará às profundezas do inferno. Várias instruções do sortista são executadas pela jovem, mas todas falham, até que entra em cena uma médium (Adriana Barraza, espetacular) que já havia sido tocada pelo mesmo espírito e tinha o desejo de aniquilá-lo. E temos aqui, o ápice do filme. Duas sequências que precedem o desfecho e que me deixaram sem fôlego, apavorado. Ao lembrar delas, após a sessão, passei mal - e juro que isso não é frescura. Apesar de ter cantado a pedra da conclusão do filme, a cena final é impecável.

O que é mais interessante no cinema de Raimi - e falo agora especificamente deste Arrasta-me Para o Inferno - é que, como já disse, ele nos induz ao riso e ao pavor muitas vezes na mesma hora. O cinema vinha abaixo de tanto rir em algumas cenas, mas eu estava gelificado na poltrona e o mesmo posso dizer da minha companhia. O teor cômico do filme, no entanto, cai absolutamente por terra quando observamos um tantinho de reflexão que pode ser extraída do roteiro (Sam, juntamente com seu irmão, Ivan). Nossa vida é, sim, direcionada de acordo com nossas atitudes para o bem, ou para o mal. E não adianta: errou, vai pagar pelo erro. A cena final prova isso e o faz de maneira impressionante. Claro que muito além de um bom texto, a condução de Sam é excelente. A criação de uma atmosfera maligna e densa faz com que o espectador sinta-se num vácuo. E esta atmosfera pode ser exemplificada com a primeira cena da fita: uma espécie de prólogo que citua o público na história, isto é, de cara mostra que é um exmplar do gênero terror. Além disso, a movimentação da câmera é uma grande homenagem ao gênero. Zoom in, zoom out, freneticidade e giros são constantes no filme.

Tecnicamente Drag Me To Hell é apenas correto. A fotografia tende ao irritante em alguns instantes e poderia ser mais competente e ousada em outros. A direção de arte também poderia ter caprichado um pouco mais nas cenas filmadas na casa da médium, por exemplo. Nenhum quesito do filme chegou à nota máxima, a não ser a estarrecedora trilha sonora. Em sua totalidade ela se faz genial, sempre com o intuito de levar o espectador ao fundo de sua agonia e fazê-lo enfrentar seus maiores medos. Quem é vivo, sempre aparece: eis que Alison Lohman estrela este filme trash após um tempo sumida. E que belo retorno temos. Nenhuma atuação inesquecível, mas bastante condizente e, principalmente, competente. O mesmo digo da assustadora Lorna Raver que, com a ajuda de uma boa maquiagem, se faz uma bruxa em forma de senhora bondosa (pelo menos no começo). Adriana Barraza deveria investir mais em papéis de médiuns; muito, muito boa! De resto, nenhuma grande surpresa no elenco. Arrasta-me Para o Inferno, na verdade, necessitava apenas de bons personagens-chave o que não implica em bom elenco na totalidade. A fita é uma constante dança da morte; e diferentemente da personagem de Claudia Cardinale em Era Uma Vez no Oeste - a qual sabe que vai sair ilesa do filme -, a personagem de Alison tem a certeza que sucumbirá à tal dança e será arrastada para o inferno, cedo ou tarde.

Nota: 8,5

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Década: Roteiro Original

2009-08-29T12:56:00.018-03:00

Acredito que este top tenha sido o mais difícil de finalizar. Demorei dias para fazê-lo e ainda assim fico extremamente triste de não poder colocar uns 20 filmes a mais. Sei que falta muita coisa boa, mas acredito que o que contemplei nestes dez filmes é uma amostra genial do que tivemos, por ora, de mais original nesta década. Vamos lá:

10. Gilbert Adair, Os Sonhadores

9. Giuseppe Tornatore e Massimo De Rita, A Desconhecida

8. David Lynch, Império dos Sonhos

7. Julian Fellowes, Assassinato em Gosford Park

6. Guillermo Del Toro, O Labirinto do Fauno

5. Duncan Tucker, Transamérica

4. Sofia Coppola, Encontros e Desencontros

3. Jean-Pierre Jeunet e Guillaume Laurant, O Fabuloso Destino de Amélie Poulain

2. Darren Aronofsky, Fonte da Vida

1. Charlie Kaufman, Brilho Eterno de Uma Mente Sem Lembranças

Romance

2009-08-26T15:19:00.006-03:00

A lenda de Tristão & Isolda é, sem dúvida, um dos contos mais incríveis que temos em nossa história. Modelado na Idade Média, mas tendo origem celta, a lenda mostra um romance que caía por terra e mostrava um trágico amor. O diretor Guel Arraes resolveu utilizar tal lenda como base no seu mais novo filme, Romance. As preocupações, pelo menos de minha parte, eram duas: 1) que Arraes deixasse o filme com cara de novela (como já fez em Lisbela e o Prisioneiro e Caramuru – A Invenção do Brasil); e 2) que ele usasse a história de Tristão e Isolda de forma simples e escrachada. O que ocorreu foi que Romance é um dos filmes nacionais mais interessantes e bem executados dos últimos anos.

O interessante no roteiro de Arraes e Jorge Furtado é que a lenda é, primeiramente, inserida no filme da forma mais direta possível. Explico: Pedro (Wagner Moura) é um ator e diretor de teatro que se apaixona por Ana (Letícia Sabatella) ao contracenar a peça Tristão & Isolda com a moça. Entretanto, devido à dedicação de Ana à televisão, os dois acabam se separando. Neste período a vida de Ana e Pedro seguirá o curso normal de qualquer ser humano, no qual há constantes encontros e desencontros. Após alguns anos separados, o casal volta a se encontrar – novamente por causa dos personagens Tristão e Isolda – para filmarem a versão televisiva da peça. Diálogos reais se confundem com falas da produção e tudo é, claramente, uma celebração ao teatro e, principalmente, ao artista.

Como disse no outro parágrafo, a lenda é, em primeira instância, mostrada de forma nua e crua, ou seja, encenada. Contudo, podemos perceber que a história de amor de Pedro e Ana é quase que uma alegoria moderna do romance “vivido” pelos personagens celtas; isto é, um modelo de amor trágico do nosso tempo. Desta forma, o conto está presente tanto na parte fictícia do filme, quanto na parte real. E não pensem que Guel propõe comparações entre surrealismo e realidade, pois simplesmente deixa o espectador se deleitar com um romance por ora nos palcos, e por ora no mundo real. Inserir personagens secundários foi uma decisão acertada, já que a fita necessitava de um maior teor de recheio. Entram em cena, por exemplo, Fernanda (Andréa Beltrão) e Orlando (Vladimir Brichta) os quais terão importantes tarefas para fazer com que a conclusão da história seja impecável. E, claro, esta conclusão é maravilhosa e nos deixa com um sorriso lindo no rosto.

Guel Arraes apresenta, sem rodeios, seu melhor trabalho de direção. Seus planos são brilhantes e a condução do belo roteiro é simplesmente perfeita. A trilha sonora – de Caetano Veloso – vem para deixar tudo mais claro e simpático e o mesmo digo da interessante fotografia. Lá no topo esqueci-me de colocar um “número 3” nas minhas preocupações com o filme; então, vamos lá: 3) Letícia Sabatella. Não tenho nada contra ela, mas sempre a achei um pouco limitada em seus trabalhos. Recentemente critiquei duramente sua atuação no singelo Não Por Acaso, mas acabo tendo que me desculpar pois Letícia está excelente em Romance. Wagner Moura dispensa elogios, como sempre, e Andréa Beltrão apresenta o melhor trabalho do elenco nesta fita. O que posso perceber é que Romance já é um dos filmes mais subestimados do nosso tempo e, infelizmente, não recebeu os elogios que merecia. Muito além de açucarar e, posteriormente, chocar o espectador com uma espécie de metáfora do amor trágico, a película celebra a arte.

Nota: 9,5

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Emmy 2009: Lead & Supporting Actor in a Drama Series

2009-08-25T14:42:00.013-03:00

Dando continuidade às listas referentes ao meus favoritos ao Emmy deste ano, chegamos aos atores (principais e em papel coadjuvante) em séries dramáticas. As indicações nestas categorias foram bastante previsíveis, mas ainda reclamo de alguns atores que foram preteridos. É o caso de Denis Leary (Rescue Me) e Justin Chambers (Grey's Anatomy). Mas deixando rancores de lado, vamos parar de lenga-lenga e partir para as duas listas começando por Ator em Série - Drama (como da primeira vez, em ordem decrescente de preferência):

1. Bryan Cranston, "Phoenix" (Breaking Bad)

Esse cara é simplesmente genial. A primeira temporada de Breaking Bad foi, pra mim, o ar fresco de que a TV precisava: ousada, séria e bastante original. Bryan brilhou nela e continuou fazendo o mesmo - ou até mais - na segunda temporada. Merece o prêmio e acho que só um dos demais indicados está no mesmo patamar que ele: Hugh Laurie em House.

2. Hugh Laurie, “Under My Skin” (House)
3. Jon Hamm, “The Mountain King” (Mad Men)
4. Simon Baker, “Pilot” (The Mentalist)
5. Michael C. Hall, “The Lion Sleeps Tonight” (Dexter)
6. Gabriel Byrne, “Gina, Week 4” (In Treatment)

Passando agora à categoria de Ator Coadjuvante em Série - Drama:

*
*

1. William Hurt, "Hey, Mr. Pibb" (Damages)

Damages, como já disse anteriormente, é uma série que expõe um trabalho de elenco impressionante. Glenn e Rose, minhas favoritas em suas categorias, se juntam a William e dominam a lista dedicada às séries dramáticas no que tange as categorias de atuação. Ele, como sempre, é extremamente centrado no que está fazendo e vai muito bem. Mas confesso que acho essa categoria extremamente fraca se comparada aos anos anteriores. Bato na mesma tecla: se Justin Chambers estivesse indicado, seria minha primeira opção. Minha felicidade, porém, fica por conta do merecido reconhecimento de Aaron Paul (Breaking Bad).

2. Aaron Paul, “Peekaboo” (Breaking Bad)
3. Michael Emerson, “Dead is Dead” (Lost)
4. Jon Slattery, "Six Month Leave" (Mad Men)
5. Cristian Clemenson, “Roe” (Boston Legal)
6. William Shatner, “Made in China/Last Call” (Boston Legal)

Veronika Decide Morrer

2009-08-24T16:19:00.005-03:00

Quando um filme surge de uma obra literária, ou seja, é adaptado dela, gosto de lê-la antes de vê-lo. Nem sempre, porém, consigo tal feito uma vez que às vezes não encontro o livro e, em outras, não gosto do autor. Veronika Decide Morrer foi adaptado da obra do aclamado por uns e detestado por outros Paulo Coelho e devo ser sincero: sem dúvida, me encaixo no segundo grupo. Li apenas três livros dele (A Bruxa de Portobello, O Alquimista e Onze Minutos) e confesso que foi um sofrimento finalizá-los. Não gosto de como Paulo expõe os personagens e os problemas em sua obra, sempre tentando enquadrá-los numa “literatura exotérica-realista de auto-ajuda” (entretanto, a sua parceria com Raul Seixas rendeu músicas extraordinárias, mas não entrarei nesses méritos). Desta forma, como não li o livro, encarei a fita como sendo um roteiro original e, mesmo assim, vejo alguns pontos extremamente discutíveis nela.

Tudo gira em torno de Veronika (Sarah Michelle Gellar), uma moça que está num estágio avançado de depressão e tem consciência disso. O primeiro plano do filme mostra uma narração dela comentando como seria uma vida perfeita, mas sempre mostrando o lado pessimista disso tudo. Em seguida, ela decide se suicidar, pois nitidamente não se vê como pertencente ao nosso mundo. Este início vem para enganar o espectador uma vez que é genial e denota que tudo o que seguirá vai ser tão excelente quanto a introdução. Ledo engano. O plano da menina dá errado e ela acaba ficando duas semanas em coma e, depois disso, acorda num internato psiquiátrico. A partir daí, a diretora Emily Young mergulha seu filme num aquário de pretensão e o tempo todo faz questão de arrancar seu ritmo. Veronika, ao retomar a consciência, recebe a notícia que a tentativa de suicídio químico acarretou num problema cardíaco irreversível que levaria a moça à morte a qualquer instante. O que ocorre é que ela conhece alguns internos e aprende alguma coisa de valia com cada um deles e, aos poucos, vai aprendendo que o melhor remédio para a depressão, é a vida. Entre estes personagens secundários estão Mari (Melissa Leo, sensacional) e Edward (Jonathan Tucker). Este acaba por ser o estopim para que Veronika volte a dar valor à sua vida e também será decisivo para o desfecho.

À primeira vista, a conclusão da história é bastante emocionante e acabei derrubando uma ou duas lágrimas. Mas logo em seguida percebemos que é uma lição de moral muito forçada e clichê. O roteiro (Larry Gross e Roberta Hanley) tem seus altos e baixos, mas se fizermos uma média, ele fica um pouquinho abaixo dela. O forte da película, pra mim, é o elenco. Discordando piamente da maioria, acho a atuação de Sarah Michelle Gellar brilhante. Dosa momentos completamente mórbidos e fundo de poço, com os que mostram a redenção de sua personagem. Jonathan Tucker é bastante empenhado e, no geral, correto. E no elenco de suporte temos uma grata surpresa: Melissa Leo. Outra atuação extremamente interessante desta ótima atriz. Outro aspecto pouco comentado no mundo cinéfilo – injustamente, é verdade – é a trilha sonora. Percebam que ela segue direitinho todos os atos do filme: momentos bastante densos e fortes ou alegres e de alívio. No final das contas, quem não leu o livro mas conhece a literatura de Paulo Coelho, consegue saber que a essência do autor está ali. Veronika Decide Morrer tem seus vários erros, principalmente na leviana direção, mas também tem seus acertos.

Nota: 6,5

Informações sobre o filme, clique aqui.

Que simpáticos!

2009-08-22T13:20:00.000-03:00

Os blogueiros cinéfilos são incrivelmete generosos, não? Essa semana dois deles, a sempre querida Mayara (Apaixonada por Cinema) e o meu mais novo conhecido Thiago (No Mundo Agora), me presentearam com dois selos. É sempre uma delícia ser reconhecido pelo trabalho e parabenizo aos dois por também terem sido contemplados com tais selos. São eles: "MasterBlog" e "Vale a Pena Ficar de Olho Nesse Blog". Vamos, em ordem, às regras:

► MasterBlog

1. Postar o selo.

2. Colocar no seu post o nome do blog que te indicou ao prêmio.

3. Escrever uma mensagem de agradecimento ao blogueiro que te indicou.

4. Abaixo do selo descrever 5 características suas.

5. Indicar o prêmio a 5 ou mais blogs para receber o selo.

Agradeço imensamente o carinho da Mayara por ter me indicado a este selo. Existem blogs e mais blogs por aí e estar presente numa lista pra receber uma condecoração é uma grande honra. Ainda mais se isto parte de uma amiga! Obrigado!

Características do blogueiro que vos fala: dedicado, feliz, cinéfilo, teimoso, apaixonado.

Indico:

Pedro (Cinema O Rama)

Jeff (Receio de Remorso)

Kamila (Cinéfila por Natureza)

Nespoli e Miojo (O Cara da Locadora)

Wally (Cine Vita)

► Vale a Pena Ficar de Olho Nesse Blog

1. Linkar o blog que te indicou.

2. Indicar 10 blogs que valem a pena serem seguidos.

Indico:

Vinícius (Blog do Vinícius)

Louis (Letters from Louis)

Fifeco (Cinema is My Life)

Tiago e Vivi (Cinefilando)

Ibertson (Cinema para Todos)

Weiner (A Grande Arte)

Hugo (Cinema - Filmes e Seriados)

Cleber (Club Cinéfilo)

Thiago (Conexão TV/Cinema)

Robson (Portal Cine)

Década: Ator Coadjuvante

2009-08-20T20:00:00.000-03:00

Antes de começar, uma correção: no primeiro top 10 referente a esta nossa década no cinema, eu comentei sobre as categorias que seriam contempladas. Só quero avisar que aumentei o número de categorias: inseri Filme Estrangeiro (que não seja americano), Filme Nacional e Animação. Fiquem agora com o top dos atores em papel secundário.

10. Djimon Hounsou em Terra de Sonhos

9. Chris Cooper em Adaptação

8. Barry Pepper em Três Enterros

7. Ed Harris em As Horas

6. Jackie Earle Haley em Pecados Íntimos

5. David Carradine em Kill Bill Vol. 2

4. Javier Bardem em Onde os Fracos Não Têm Vez

3. Paul Dano em Sangue Negro

2. Benicio Del Toro em 21 Gramas

1. Heath Ledger, O Cavaleiro das Trevas

Uma Rua Chamada Pecado

2009-08-19T16:23:00.000-03:00

Em Dogville, de Lars Von Trier, pudemos observar de forma seca uma disposição incomum de cenários e personagens. Isso se deve ao fato de a fita ser filha do Dogma 95 – movimento cinematográfico que prima para um cinema mais realista e menos comercial. Entretanto, consigo pensar que Dogville pode ser também uma homenagem ao teatro, mas tenho consciência que o propósito de Lars não era esse. Ano passado, contudo, John Patrick Shanley despejou em seu Dúvida um viés único e exclusivamente teatral não só na forma de atuação dos artistas, mas sim no tipo de apresentação do roteiro. E esse desejo de manifestar aspectos teatrais no cinema já foi visto, antes destes dois filmes, numa obra-prima atemporal que foi brutalmente censuranda por ser tão ousada e incomum. Falo de A Streetcar Named Desire ou, numa tradução que não funciona tanto, Uma Rua Chamada Pecado.

O filme é livremente baseado na peça de Tennessee Williams e adaptado desta por Oscar Saul. Nos apresenta a história de Stella (Kim Hunter) e Stanley (Marlon Brando), um casal que vive uma relação constante de amor e ódio mas que, no fim, aquele sentimento sempre reina. O que já era bastante obscuro transforma-se em algo sarcástico e misterioso com a chegada de Blanche DuBois (Vivien Leigh), irmã de Stella, a qual vai passar uns tempos junto ao casal. A atmosfera do filme torna-se pesada e bastante densa quando Blanche curiosamente – e de forma esquisita – começa a prestar atenção em Stanley e, pior, consuma-se uma relação nebulosa e cínica entre os dois. Óbvio que Stella tenta ser a favor do marido mas, ao mesmo tempo, deve acreditar nas histórias quase que utópicas de sua irmã. Cada dia parece ser pior que o outro na vida deste trio, e tudo piora quando Stanley descobre quem é, de fato, Blanche e uma verdade aparente vem à tona.

Na parte secundária ainda temos Mitch (Karl Malden) que é amigo de Stanley e se vê apaixonado por Blanche. O interessante, aqui, é a entonação dada ao passageiro romance entre os dois: claramente percebemos a entrega de Mitch e o desejo de esconder o passado por parte dela. Esconder não é a palavra certa; ela procura contornar tudo o que já aconteceu e seguir em frente, mas ainda assim ficamos confusos se é realmente esta a proposta de Blanche. Pode-se observar que, discretamente e sem ser intencional, a fita mostra a instalação do caos num local onde existia paz, mesmo que aparente. Mas este caos é o que torna o material impecável, já que é algo psicológico e não social ou que pende à violência bélica ou temas do tipo. E tudo é ratificado com cenas absurdamente ousadas e que tendem completamente às técnicas teatrais principalmente no que tange as atuações. As passagens que antecedem o final são fortes e incomodam o espectador até chegar num triunfal e inesquecível desfecho.

Como já frisei várias vezes no texto, as pitadas teatrais estão inseridas de forma louvável no filme. Elia Kazan, então, dirige tudo com uma cautela ímpar e conduz esta fita complicada como já havia feito anteriormente em A Luz é Para Todos. Sendo sincero, digo que não consigo expressar o que é a direção de Kazan. Consegue ser visceral em cada plano e, não contente, suga até o último suspiro de seus atores. E, antes tarde do que nunca, cá chegamos: o trabalho dos atores e atrizes. Nunca escondi que acho o trabalho de elenco de Quem Tem Medo de Virgínia Woolf? o melhor da história. Mas também nunca fui louco de não concordar que o elenco de Uma Rua Chamada Pecado é quase tão genial quanto aquele. Kim Hunter é brilhante por conseguir mostrar os dois lados de uma mulher apaixonada pelo marido mas que, ao mesmo tempo, nutre um amor incondicional pela irmã. Karl Malden também mostra uma bela atuação que, no fundo, é bastante difícil. Mas parem tudo e chamem a NASA! As duas estrelas são, com certeza, Vivien Leigh e Marlon Brando. Não tem como, são duas interpretações impressionantes, magníficas. Ele, além do seu indiscutível porte de galã, consegue ministrar tons hilários com intensamente dramáticos e, claro, violentos. Ela, uma das minhas atrizes preferidas, simplesmente choca o mundo com a melhor atuação feminina de todos os tempos, pra mim. A sua expressividade é incomum e percebam que Vivien tem um dom único de falar pelo olhar, por gestos. Inclusive, sugiro que prestem atenção nos momentos em que Vivien e Marlon atuam juntos. Saem metáforas de seus olhares e frases completas de suas posturas e gestos. Não é coisa digna de ser chamada de obra-prima? Chorem, riam, se desesperem, odeiem e misturem os sentimentos que quiserem em Uma Rua Chamada Pecado; ela está ali... vocês sabem o endereço.

Nota: 10,0

Informações sobre o filme, clique aqui.

De Repente, Califórnia

2009-08-17T15:07:00.000-03:00

Durante quase toda a reprodução de De Repente, Califórnia músicas altas, surfistas insandecidos no mar e skatistas em terra tantam dar um ar comum ao filme. O diretor estreante Jonah Markowitz tenta utilizar o cotidiano para mostrar que o que muitos pensam ser algo inaceitável é, na verdade, absurdamente simples. A fita trata, sendo direto, de homossexualidade, mas não esperem algo insensível, frio e que banalize o tema. Muito pelo contrário. Tudo o que assistimos é leve e no fim temos s sensação de dever cumprido. Coloca tal tema num patamar tão interessante que, de forma bastante discreta, acaba por, simplesmente, mandar as pessoas que ainda são à favor do preconceito, calarem a boca. Além de tudo, Shelter (título original) fala de sonhos, mas não superficiais. Sonhos que têm a ver com um futuro brilhante e lindo que pode ser alcançado.

No filme, conhecemos Zach (Trevor Wright), um garoto que larga a escola de arte para ajudar sua família, mais precisamente sua irmã, Jeanne (Tina Holmes), que é mãe solteira. Um dos pontos interessantes do roteiro (escrito pelo mesmo Jonah Markowitz) começa aqui, uma vez que o sobrinho de Zach o vê como a figura paterna a ser seguida, o que torna a vida do garoto mais complicada do que parece. Tudo muda quando Zach conhece Shaun (Brad Rowe) e, de pronto, os dois tornam-se amigos. Primeiramente motivados pelo surfe e logo em seguida pelo sentimento genuíno chamado amor que toma conta deles. A autodescoberta acaba por confrontar o que já conhecemos, o preconceito, e a velha frase "o que vão pensar da gente?" vêm à tona. Entretanto, logo percebemos outra grande sacada do roteiro: não importa o que aconteça; eles se amam e pronto! E mesmo Zach com seus vários problemas, luta para reconciliar seus próprios desejos com as necessidades de sua família. Após terminar a película, fiquei com uma vontade súbita de casar e ter um cachorro (assistam ao filme e saberão do que estou falando)!

Contudo, ao passo que temos um roteiro interessante que, mesmo caíndo em alguns clichês, se faz maravilhoso, temos alguns problemas de direção. Acredito que Jonah deixou seu filme visualmente lindo: desde a impecável fotografia, até à surpreendente direção de arte. Mas tudo isso, somada às fofas canções (uma delas, a viciante "I Like That", de Shane Mack) acabam por dar um ar de clipe musical ao filme, o que, pra mim, é um problema - mesmo que pequeno. A dupla de protagonistas são bastante convincentes, principalmente Trevor Wright. Conseguem ser naturais e fazer de seus personagens instrumentos que mostram o que é amar sem fronteiras. O que, de fato, acontece é que De Repente, Califórnia é um filme para poucos. A maioria dos cinéfilos estão achando a fita superficial e, pasmem, utópica. Uma pena, pois pra mim é uma grande e grata surpresa.

Nota: 8,0

Informações sobre o filme, clique aqui.

Década: Atriz Coadjuvante

2009-08-15T12:51:00.000-03:00

Eu adoro fazer listas e vocês já perceberam isso. Hoje começo a postar uma série de top 10 mostrando quem são, PARCIALMENTE, os melhores desta década no Cinema. As categorias abordadas serão Atriz Coadjuvante, Ator Coadjuvante, Roteiro Original, Roteiro Adaptado, Atriz, Ator, Direção e Filme (necessariamente nessa ordem). Vamos comentar, então, sobre o primeiro top; o das atrizes em papel coadjuvante. Lembrando que levo em consideração as datas de estréia dos filme aqui no Brasil.

10. Rachel Weisz em Um Beijo Roubado

9. Natalie Portman em Closer - Perto Demais

8. Kate Hudson em Quase Famosos

7. Shohreh Aghdashloo em Casa de Areia e Névoa

6. Meryl Streep em Adaptação

5. Amy Adams em Retratos de Família

4. Miriam Muniz em Nina

3. Julianne Moore em As Horas

2. Cate Blanchett em Não Estou Lá

1. Kate Winslet, O Leitor (como já comentei no meu texto, Kate, a meu ver, é secundária no filme)

Coming Soon: Uma Rua Chamada Pecado

2009-08-13T14:19:00.000-03:00

Não, não vai estrear um remake de Uma Rua Chamada Pecado. Mas então por que diabos "coming soon"?! Simples: ao ler o texto do amigo Nespoli (O Cara da Locadora), fiquei louco de vontade de rever este filme. Confesso que era necessária essa revisão, já que nunca consegui escrever sobre ele. Simples motivo: pra mim, é uma grande e majestosa obra-prima. O trabalho de direção é impecável e o mesmo digo do texto. A película aproveita para mostrar um dos melhores trabalhos de elenco da história. Vivien Leigh - e sua beleza natural e clássica - é intensa e Marlon Brando - e sua beleza estonteante (falei que o blog seria mais escrachado agora hahahaha) - é excelente. Mas só postei isto para dizer que quando vocês menos esperarem o texto completo estará publicado. Quero caprichar, pois a fita merece!

Project Runway: Car Challenge

2009-08-12T13:52:00.001-03:00

Não vou negar. Sou absurdamente antenado sobre moda em geral. Inclusive um dos meu aspectos preferidos de analisar no cinema são os figurinos. Mas não escrevi este post para falar de cinema, mas sim de televisão. Mais precisamente sobre o melhor reality show da atualidade: Project Runway. A linda loira da foto é a apresentadora - e uma das juradas - de tal reality. Trata-se da Sra. Seal, ou simplesmente, Heidi Klum (indicada ao Emmy na sua categoria). Sempre intensa, simpática, elegante e, se preciso, cínica, ela conduz o show de forma maravilhosa. Pra quem não conhece o programa, um breve resumo: são selecionados 16 estilistas que, a cada semana, passarão por desafios diferentes - e cada vez mais complexos. Tais desafios vão desde criar figurinos para séries de TV até desenhar um look para Drag Queens. E ao fim de cada desafio, temos um vencedor (que geralmente ganha imunidade) e um eliminado. Mas hoje - e agora indo ao cerne do texto - quero comentar sobre um dos mais sensacionais desafios já vistos no programa; trata-se do "car challenge", que foi ao ar semana passada (People+Arts) e que faz parte da quinta temporada. Basicamente largaram os designers à frente de vários carros cheios de acessórios soltos dentro. Eram cintos de segurança, faróis, carburadores, estofamentos, tapetes, fios de cobre. E é isso. Se virem para fazer uma roupa utilizando essas "coisas" e as deixem com uma cara de peça usável. Foi genial! Ao passo que tivemos peças desastrosas, tivemos desenhos e posteriores produções muito interessantes. O acabamento, creio eu, foi o mais complicado de se fazer. Imaginem costurar tapetes de carro ou pior: utilizar um faról! As máquinas de costura quase pifaram. Ao final, acabou que o insuportável Keith foi eliminado e Leanne foi a vencedora (modelo feito com estofados de banco e cintos de segurança desfiados), sendo que Korto (uma das minhas favoritas ao prêmio) ficou no bottom 2, apresentando um casaco que serve bem como vestido completamente feito com cintos de segurança entrelaçados à mão. Mas quem me chamou a atenção foi o chato e freak Blayne. Ele criou um vestido de noite utilizando cintos de segurança (que foram entrelaçados na parte do busto e soltos na parte inferior) e alguns pedaços de vidro. O resultado é interessantíssimo, mesmo com as proporções completamente erradas. Abaixo, as imagens das roupas da vencedora, Leanne, da segunda colocada no desafio, Korto, do vestido de Blayne e da boring confecção do eliminado, Keith (inclusive com a aparição dele, hahahahaha). As fotos estão nesta ordem citada.

Prova de Fogo

2009-08-10T14:09:00.000-03:00

Durante os primeiros minutos de Prova de Fogo somos apresentados à personagem principal, Akeelah (Keke Palmer), numa narração que ela própria faz. A menina, de 11 anos, comenta que se sente deslocada em todos os lugares que vai e que, até agora, não tinha achado um motivo que a inspirasse na vida. Ela estuda numa escola humilde de Los Angeles e chama a atenção dos docentes por sempre tirar nota máxima nas provas de soletração. O diretor do colégio, Sr. Welsh (Curtis Armstrong), acredita que a menina pode representar bem a escola nos concursos regionais de soletração até chegar à final nacional – e o espectador percebe que, por ora, ele está mais interessado em conseguir status para o colégio. Akeelah, muito tímida no começo, acaba vencendo o concurso interno onde estuda e resolve se empenhar para conquistar os testes mais complicados, isso com a ajuda de seu “técnico”, Dr. Larabee (Laurence Fishburne).

Entretanto, apesar de o roteiro e a direção (ambos por Doug Atchison) colocarem a vontade da garota de vencer o concurso nacional em primeiro plano, o filme não pára por aí. Doug expande seu texto e mostra a dura vida de Akeelah: seu pai foi assassinado, sua irmã é mãe solteira, um dos irmãos é do exército, o outro entrou no mundo do crime e sua mãe (interpretada lindamente por Angela Bassett) surta à cada segundo e não dá atenção à filha. Na verdade, temos também conhecimento da história de alguns outros concorrentes de Akeelah e, principalmente, a de Dr. Larabee que tem um grande segredo em seu coração. O clichê está presente, mas ele serve muito bem aqui. Não nos faz de idiotas e deixa a fita com uma aparência interessante, muito gostosa de assistir. Quando chegamos aos momentos finais, logo cantei a pedra do que aconteceria no desfecho, mas caí do cavalo. Doug Atchison se esquivou da pieguice e apresentou um final bastante satisfatório – esperado, na verdade, mas com um quê de surpresa.

Sem embaraços, o filme nos propõe uma reflexão sobre até onde vamos sozinhos e o quão longe podemos ir com a ajuda de pessoas que nos amam. Mostra que amor é inerente à vida de qualquer ser humano, que preconceito nunca é a melhor saída, que amizades sempre são bem-vindas e que jamais devemos ter medo de nós mesmos. E tudo isso nos é ensinado pela personagem de Keke Palmer. Esta garota, certamente, tem um futuro brilhante pela frente; ótima durante toda a reprodução. Mas quem rouba a cena, em papel coadjuvante, é Angela Bassett: que mulher expressiva! Desde seu tour de force em Tina venho acompanhando seus trabalhos e digo que o que ela faz em Akeelah and the Bee é sensacional. O restante do elenco age com muita naturalidade, o que era necessário ao filme. E foi justamente por causa deste tom natural inserido à película que acabei, pra variar, chorando no final. Este, colocando-o mais uma vez em evidência, é lindo! Uma cena em que Akeelah deve soletrar a última palavra, mas não fará isso sozinha...

Nota: 8,0

Informações sobre o filme, clique aqui.

Aos Pais, Uma Homenagem

2009-08-09T16:10:00.001-03:00

Hoje, dia 09/08/2009, é Dia dos Pais. Não podia deixar que esta data tão importante passasse em branco. Vão ser apenas algumas palavras, até por que não sou bom em homenagens (sempre choro). O Bit of Everything vem desejar tudo de mais maravilhoso à todos os Pais dos leitores e, é claro, aos leitores que já são Papais. Lembro, especialmente, do meu Pai com quem estou passando um dia incrível. Também quero trazer as memórias dos Pais ausentes à tona, hoje. Dizer que, com certeza, eles estão olhando por seus filhos e guiando os seus caminhos. E aí vai um desabafo: meu maior sonho é ser Pai! Mas sei que a questão é mais complicada do que parece e preciso ter a cabeça no lugar e me preparar para a hora certa. Hoje, sugiro algumas dicas de filmes para se ver com o Papai; filmes que mostram esta grande vocação: O Óleo de Lorenzo, À Procura da Felicidade, O Paizão, Lua de Papel, Procurando Nemo, Nossa Vida Sem Grace.

É isso...

À todos os Pais de plantão, um dia iluminado! Parabéns!

Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada

2009-08-08T14:21:00.000-03:00

Nossas vidas, inevitavelmente, são quase sempre alvo de situações bastante incomuns. O que ocorre é que o destino manipula nossa sorte o tempo todo e às vezes o que ele nos propõe é exatamente aquilo que não é interessante no momento. Na realidade, sabemos que este “presente” é o que queremos para nosso futuro, mesmo com alguns contratempos. Dan (Steve Carell) é um viúvo pai de três filhas que há certo tempo não tem sorte na vida afetiva. Mas quando adentra uma livraria conhece Marie (Juliette Binoche) e logo tem a certeza de que ela é o ar fresco que ele necessitava em sua vida. Eufórico, ele chega em casa e conta a novidade para o irmão, Mitch (Dane Cook), o qual, mais tarde, apresenta a nova namorada à família: Marie.

Pronto. A vida de Dan que em segundos mudou por conhecer Marie, na mesma fração de tempo vira de cabeça para baixo, pois só ele e ela sabem “um do outro”. O mais interessante acerca do roteiro de Eu, Meu Irmão e Nossa Namorada (Pierce Gardner e Peter Hedges) é que ele explicita a vida de Dan da forma mais completa possível, ou seja, coloca toda a sua família (imagine uma família grande e que gosta de dar opiniões e conselhos) no centro da situação e, assim, promove cenas que vão das mais hilárias até as mais dramáticas. O que também é de se louvar no texto é a exposição da complicada – e complexa, por que não? – relação do personagem principal com suas três filhas Jane (Alison Pill), Cara (Brittany Robertson) e Lilly (Marlene Lawston); mas esta dificuldade de relacionamento deve-se ao fato de que ele não consegue manejar os momentos em que está com elas, sempre tentando ser o mais pragmático possível. A sensibilidade também está completamente fixada no roteiro. A cena em que a família “apresenta”, num ato de brincadeira, um espetáculo circense e Dan e Mitch cantam juntos é genial e mais um ponto incrível do texto, uma vez que utilizam a letra de uma música para ditar uma maneira de expressão.

O mesmo Peter Hedges que roteiriza é quem dirige. E o faz de forma enxuta, é verdade, mas competente. O que é importante citar é que Peter tem uma carreira mais sólida, por ora, como roteirista (sendo indicado, em 2002, ao Oscar de Roteiro Adaptado por Um Grande Garoto). Entretanto, a sua estréia na direção já era uma previsão de que ele também é bastante inteligente com a “câmera na mão” (Do Jeito Que Ela É, tal estréia, vale ser visto). O bom de ter o mesmo roteirista e diretor se deve ao fato de ele saber o que é interessante inserir na fita e o que não é, seguindo o texto. Percebam, por exemplo, na inserção da cena em que Dan e Marie se conhecem: o fato ocorre dentro de uma livraria onde existem ao mais diversos tipos de romance o que nos convida à escolha e nos incita a pensar que tudo pode acontecer, se nós quisermos.

A direção, pra ser sincero, tem seu auge no que tange o suporte ao elenco: o trabalho dos atores é maravilhoso. Steve Carell, simplesmente, na melhor atuação de sua carreira. Mostra nuances cômicas, mas sempre com o olhar vago e triste denotando não estar bem, apesar de tudo. Juliette Binoche (que tem, pra mim, uma das melhores atuações da história em A Viúva de Saint Pierre) também é sensacional e o mesmo digo de Dane Cook (apesar de não gostar dele). As jovens filhas de Dan, interpretadas por Alison Pill, Brittany Robertson e Marlene Lawston são de uma expressividade ímpar, principalmente as duas primeiras. Dianne Wiest, que teve sua atuação pouquíssimo comentada, brilha em todas as cenas que aparece e digo o mesmo de Emily Blunt que, em uma cena, é incrível. E assim, apareceu um filme que demorei muito tempo para assistir mas que, no fundo, sabia que era uma surpresa. Algo que prima pelo simples, mas, em contrapartida, se faz gigantesco em seu desenvolvimento e, principalmente, em seu belo desfecho.

Nota: 9,0

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Emmy 2009: Lead & Supporting Actress in a Drama Series

2009-08-06T17:50:00.000-03:00

Vou começar, de forma bem aleatória, a postar minhas preferidas e preferidos na edição 2009 do Emmy. Não escondo que tenho uma paixão fora do comum pelas séries dramáticas e por isso comecei a ver (e rever) as submissões das indicadas nas categorias Lead Actress in a Drama Series e Supporting Actress in a Drama Series. Começando pela principal, digo que gosto bastante da lista. Na verdade, ainda tenho problemas com as inacabáveis indicações de Holly Hunter pela boring Saving Grace. Óbvio que colocaria a genial January Jones - impecável em Mad Men - em seu lugar. Abaixo está minha lista que começa com a atriz que teve a melhor submissão e vai decrescendo (o mesmo acontecerá na próxima categoria e nos próximos posts):

1. Glenn Close, "Trust Me" (Damages)

Pra mim, Glenn é um ET. Tudo nela me assusta. Quando fala, olha, escreve, tosse, bebe, come... Sem a menor sombra de dúvidas é a melhor atriz da televisão, atualmente. O que ela fez, e continua fazendo, em Damages vai além do visceral e vale lembrar que todo o elenco desta genial série é impressionante. Close, então, é minha primeira opção, com louvor!

2. Mariska Hargitay, "PTSD" (Law & Order: SVU)
3. Elizabeth Moss, "Meditations in an Emergency" (Mad Men)
4. Kyra Sedgwick, "Cherry Bomb" (The Closer)
5. Sally Field, "A Father's Dream" (Brothers & Sisters)
6. Holly Hunter, "Have a Seat, Earl" (Saving Grace)

Na outra categoria que coloquei em dia, Supporting Actress in a Drama Series, as questões são mais dramáticas (trocadilho bem indigno!). Eu sei que Katherine Heigl merecia um gelo pela a babaquice do ano anterior, mas eu acredito que sua indicação era necessária pela belíssima quinta temporada de Grey's Anatomy. Outro aspecto, no mínimo, curioso: In Treatment consegue uma penca de coadjuvantes indicadas, mas as melhores sempre ficam de fora. Já ocorreu ano passado com a jovem - mas talentosa - Mia Wasikowska e este ano foi a vez da sensacional Alison Pill ficar de fora. Enfim, vamos à lista:

1. Rose Byrne, "Trust Me" (Damages)

Nem é por que adoro a Rose, mas não tem como não colocá-la como a favorita na categoria. Bela atuação, como fez durante ambas as temporadas até agora. Submeteu o mesmo episódio de Glenn e digo que quando o assisti pela primeira vez, fiquei sem ar. Ao término dele, meu amigo disse: "as duas vão submeter este episódio". Byrne é sempre instigante e nos faz pensar sobre uma pessoa que é o cordeiro e, ao mesmo tempo, o lobo.

2. Sandra Oh, "Elevator Love Letter" (Grey's Anatomy)
3. Chandra Wilson, "Stairway to Heaven" (Grey's Anatomy)
4. Dianne Wiest, "Gina, Week 6" (In Treatment)
5. Cherry Jones, "Day 7: 7am-8am" (24)
6. Hope Davis, "Mia, Week 6" (In Treatment)

Noite do Terror

2009-08-05T13:40:00.000-03:00

O gênero terror vem sendo banalizado por alguns produtores de uns tempos para cá. Isso me deixa bastante preocupado, pois querendo ou não, é um afluente cinematográfico que tem todo um histórico interessante em seu cerne. Algumas boas fitas trash, no entanto, não passam pelas telas do cinema e são enviadas direto para a televisão. Foi o caso, acredito eu, de Noite do Terror, ou em inglês e muito mais interessante, See No Evil. A fita é de 2006 e foi dirigida por Gregory Dark o qual, segundo as más línguas, é veterano no mercado pornográfico. No filme, jovens fúteis, mas delinquentes, são jogados no antigo Hotel Blackwell para limparem o local, com o intuito de diminuir o tempo das suas penas. Mas o estado do local e, obviamente, o clima levam a crer que algo de muito ruim está prestes a acontecer.

À primeira vista, e até entendo vocês, o plot é muito do mesmo. O roteiro é clichê e a fita é escrachadamente um slasher – ou seja, um subgênero de filmes de terror quase sempre envolvendo assassinos psicopatas que matam aleatoriamente – mas as nuances da direção e a parte técnica chegam pra deixar o espectador muito satisfeito e surpreso. Como já perceberam, meu texto está dando voltas e não chego a lugar nenhum sobre o desenvolvimento da história. Entretanto, não há como. Tudo é moldado tentando levar quem assiste a um mundo paralelo, mas que na verdade, é a pura realidade. O próprio assassino é uma caricatura: ele mede mais de dois metros e pesa 150 quilos. Mas não se enganem, pois é mentalmente perturbado e por causa da sua fanática mãe – a qual dizia que “os olhos são a janela da alma” – tem como prioridade arrancar os olhos de suas vítimas. O interessante é que toda a insanidade do filme acaba por ser despejada num desfecho bastante confuso, mas que no fundo é muito legal.

O tal Gregory Dark faz algo interessante na direção. Promove constantes distorções de imagens, longos e tensos travellings, usa e abusa de cortes bruscos de cenas e, nos momentos certos, dá à película um ar documental. O clima dark e insano é maximizado por uma direção de arte estarrecedora. O hotel é sujo, nojento e cada uma de suas acomodações e salas são de uma originalidade ímpar em termos de cenografia. E para ficar ainda mais indigesto, a fotografia prima pelo escuro; mas um escuro diferente: acinzentado, brilhante e em tons quase prata. O complicado é que eu não consigo esconder a empolgação quando vejo um filme como esse. E todo o meu texto parece convergir para uma nota alta, quase que acima de 8,0. Contudo, o roteiro ainda continua sendo igual aos demais filmes do gênero; só que não culpo o roteirista pelo seguinte: se fez questão de encaixar o filme no slasher, não há como mostrar uma história diferente. Desta forma, só me resta indicar este See No Evil para quem gosta de horror show.

Nota: 7,5

Informações sobre o filme, clique aqui.

Presságio

2009-08-03T14:58:00.000-03:00

O que pode tornar um bom argumento num filme completamente errado? A direção? O roteiro? O elenco? Bom, geralmente apenas um aspecto consegue ser o motivo de estraçalhar com uma fita. O caso de Presságio, porém, vai além: tudo no filme chega perto do ruim, descartável. A história, escrita por um bando de roteiristas, é o seguinte: numa bela manhã, um professor (Nicolas Cage) acompanha a abertura de uma cápsula do tempo que foi enterrada na escola de seu filho. Tal objeto trás em seu interior previsões assustadoras, algumas das quais já haviam se concretizado, enquanto que outras ainda estavam por ocorrer. Claro que essas “mensagens” vieram codificadas e caíram justamente nas mãos de um professor magnífico (e alcoólatra) de Astrologia - ou qualquer coisa assim – o que torna a leitura fácil. Várias histórias vêm à tona, algumas pessoas entram na vida do personagem de Cage e tudo leva a crer que a sua família está envolvida, de alguma forma, com as profecias. Com a ajuda, ou não, de Diana (Rose Byrne) ele vai tentar salvar o mundo das próximas catástrofes e fiquei triste pois a equipe do figurino nem quis desenhar um look meio super-herói pra ele. Enfim, o começo é um desastre, o desenvolvimento é pior, e o desfecho me fez rir. Nicolas Cage assume a ponta no ranking dos atores no fundo do posso (vide o que já havia feito em O Sacrifício) e até agora me pergunto: por que a talentosíssima Rose Byrne entrou nesta fria??? Melhor ficar sem resposta. Enfim, alguma coisa é boa na fita?! Sim! Adorei com todas as minhas forças os efeitos visuais, o som e a fotografia. Mas sei lá... quem não viu, passe longe.

Nota: 3,0 (1,0 pra cada aspecto que elogiei, hahahahahaha)

Informações sobre o filme, clique aqui.

Brothers & Sisters e seu "Troubled Waters"

2009-08-02T16:23:00.001-03:00

***ATENÇÃO! O texto a seguir contém spoiler sobre "Just a Sliver" e "Troubled Waters - Parte I", de Brothers & Sisters (season 3).

Não é novidade para ninguém que eu sou bastante assíduo com algumas séries de TV. Assisto algumas por puro prazer (Brothers & Sisters, Grey's Anatomy, Mad Men, Big Love), mas outras de forma forçada (30 Rock, Lost, House) apenas para poder opinar sobre as premiações. O seriado que leva o título deste meu post é um dos meus preferidos. Pode ser clichê e bastante novelesco, mas sempre mantém um certo nível e ritmo positivo. Esta season 3, que levou Sally Field novamente ao Emmy, veio como sendo a mais fraca da série, mas ainda assim com algumas passagens interessantes. Foi no episódio 10 ("Just a Sliver") que a série voltou a me fazer chorar feito bebê, quando Elizabeth - filha de Tommy, mas que na verdade foi gerada pelo espermatozóide de Kevin - fica doente e precisa de um transplante rápido de fígado. Os Walker se mobilizam e as diferenças entre Tommy e Kevin desaparecem, numa cena linda. Também foi vez de Balthazar Getty e Sarah Jane Morris mostrarem seus melhores momentos na temporada.

Depois deste 10º episódio da temporada, cheguei a dizer que não viria algo melhor. Só que hoje, acompanhando a Maratona Brothers & Sisters da Universal Channel, coloquei a tão comentada primeira parte de "Troubled Waters" em dia. Talvez um dos melhores momentos de toda a série e com certeza um dos melhores episódios de toda a temporada. Problemas na Ojai Foods colocam Holly, Tommy, Sarah e Rebecca em sintonia, não necessariamente positiva. É uma trama extremamente bem bolada e que, acredito eu, desemboque em algo surpreendente. Do outro lado, é o grande dia da vida de Kitty e Robert: Trish está prestes a dar à luz ao filho adotivo do casal. Entretanto, a promessa do Senador de estar ao lado da esposa neste momento quase que cai por terra e Norah - como sempre mostrando seu espírito materno anormal - é quem estará com sua filha neste momento. O que acontece é que Robert, novamente, coloca sua vida profissional à frente da familiar, já que sua meta é ser Governador. Deve, então, anunciar esta sua decisão aos jornalistas e por este motivo fica sobre extrema pressão, pensando em como Kitty estará nesta hora. Então, o ápice do episódio ocorre: ao som da belíssima "Fix You" (Coldplay), Norah consola Kitty - ambas atrizes em atuações impressionantes, mas Calista simplesmente em seu melhor momento - e Kevin acompanha Robert até o carro para irem ao hospital. Só que o inesperado ocorre: o Senador McCallister pára e num súbito suspiro tem um ataque e cai quase que desfalecido ao chão. No mesmo instante, e paradoxalmente, o mais novo membro dos Walker nasce e, claro, o episódio acaba.

Agora me digam como fica meu coração até assistir à segunda parte do aparentemente impecável "Troubled Waters"...

Um tantinho de Judy Garland...

2009-07-31T19:52:00.000-03:00

Explorar a vida de artistas por meio do cinema ou da televisão sempre foi uma constante. Nem sempre essas biografias são sinônimos de bons trabalhos, mas de vez em quando aparecem trabalhos sensacionais. Em 2001 resolveu-se levar as telas da tv uma minissérie sobre a estrela Judy Garland e demorei 6 anos para assistir a este trabalho. Sem firulas digo que a o material resultante é excelente e como fã assumido de Judy, sofri muito enquanto assistia a minissérie, pois sua vida foi muito conturbada mas tudo foi culpa de fatos que ocorreram quando ela ainda muito jovem. Desta forma, esta obra-prima nos apresenta a história de Frances Ethel Gumm (verdadeiro nome da atriz e cantora) de maneira interessante: o auge da sua carreira é constantemente intercalado com seu declínio, já que sua linha da vida é cheia de altos e baixos. Judy é interpretada por duas atrizes, conforme a fase da sua vida. Primeiro pela brilhante Tammy Blanchard (atriz absurdamente esnobada por outro grande trabalho, o sensível filme Bella) e em seguida pela genial Judy Davis. Algumas cenas da minissérie são verdadeiras pérolas da TV, como as que mostram as gravações das obras-primas Agora Seremos Felizes e O Mágico de Oz. Inclusive, o desfecho do material é embalado pela memorável canção “Somewhere Over the Rainbow” e é algo tão mágico e bem feito que as lágrimas caem sem que percebamos.

Nota: 10,0

Informações sobre a minissérie, clique aqui.

A Rainha

2009-07-29T14:45:00.000-03:00

Tratar de soberania e política sempre foi uma constante no Cinema. Mas na maioria das vezes um passado nada recente é o que está em pauta. Ou seja, é mais interessante do ponto de vista estético fazer um filme sobre as monarquias de séculos anteriores. Eu sempre gostei de ver um teor político sério em fitas que tratassem deste assunto, mas nem sempre pude ser agraciado. Além disso – e agora mudando de foco – nunca escondi minha admiração pela Princesa de Gales (Diana), independente das suas “peripécias”. Quando soube que iriam recriar o baque resultante após sua morte, eu fiquei com bastante medo. Primeiro por que não conhecia Peter Morgan (o roteirista); e segundo por que Stephen Frears nunca tinha se aventurado num tema tão delicado quanto este. Contudo, lógico que depois de assistir a este The Queen, fiquei impressionando com tudo na película.

Durante os primeiros minutos de A Rainha, o que está em evidência é a esmagadora vitória de Tony Blair (Michael Sheen), que assume, então, o cargo de Primeiro Ministro Britânico. Só que a algazarra ao redor de tal vitória será visivelmente abafada após a bombástica notícia da morte da Princesa de Gales. Quem também acaba ficando em estado de choque com tal acontecimento é a Família Real londrina, e cada “participante” do clã irá digerir de maneira diferente a morte de Diana. O foco do roteiro, entretanto, está na relação complicada entre a Rainha Elizabeth II (Helen Mirren) e o Primeiro Ministro Tony Blair; e vai além: propõe uma luta entre os dois, mesmo que entrelinhas, colocando de um lado a tirana e de outro o político do povo. A tensão entre os dois coloca a Rainha como sendo fria e calculista diante da população londrina, e do mundo. Os diálogos, absurdamente bem escritos por Peter, são de uma força ímpar e durante alguns deles, conseguimos enxergar faíscas as quais podem acender, a qualquer momento, alguma bomba que destruirá a credibilidade ou de Tony, ou da Rainha.

A direção de Stephen é única. Consegue deixar a fita com um ar estritamente político, mas em contrapartida, unicamente humano. E esta humanidade é resultado de um trabalho de elenco genial: Michael Sheen é ótimo, mas Helen Mirren não está menos que visceral. Um tour de force diferente, contido e que nos mostra as várias faces da “celebridade” real britânica. Alexandre Desplat, meu compositor preferido, compõe algo sublime, utilizando acordes pesados, violinos para amaciar o enredo e um ritmo clássico, grandioso. A fotografia de Affonso Beato, indo contra todos, era uma das melhores daquele ano de maneira disparada e os figurinos da minha querida Consolata Boyle são de um charme extraordinário e de acabamentos impecáveis. O que, então, ocorre é o seguinte: na minha humilde opinião, The Queen, era o melhor filme concorrendo ao Oscar em 2007. Um filme que consegue alinhar política com humanidade da forma mais interessante possível.

Nota: 9,5

Informações sobre o filme, clique aqui.

I'm back!

2009-07-27T15:49:00.000-03:00

Saudações amigos e amigas do bom (modéstia à parte) e velho (nem tanto) Bit! Como todos os queridos leitores já sabiam, eu tirei o blog do ar por tempo indeterminado por conta da falta de tempo para atualizá-lo. Entretanto, durante todo o mês de Julho, fiquei tentando arrumar uma maneira de retomar as atividades textuais e expressivas deste sítio virtual. Acabei por decidir - e saibam quem estou radiante de felicidade e morrendo de saudades de todos os leitores - que o Bit, de fato, está de volta! Claro que, infelizmente, não será tão ativo como antes e aproveito para pedir que os senhores e as senhoras se acostumem com o novo estilo do blog. Como assim?! Acredito que um retorno merece inovação e esta pode ser adjetivada com a seguinte palavra: simplicidade. Deixarei as firulas de lado e postarei única e exclusivamente o que me der na cachola. Textos grandes, textos pequenos, comentários sobre músicas, reclamações sobre algum episódio de alguma série, desabafos sobre a previsão do tempo. Minha proposta, de agora em diante, é fazer jus ao nome deste espaço e falar de tudo um pouco mesmo. Não vou me comprometer em postar três ou mais vezes por semana, pois realmente meu horário é inflexível; bem como também não poderei comentar todos os dias nos lindos blogs que acompanho. De qualquer forma, darei o meu melhor! Sejam todos bem-vindos de volta!